關於 電吉他入門配備 ，我們在網路上蒐集到這些相關的討論、資訊與評價

#鼓的分享

「第一次買器材就上手-鼓手入門器材選擇」

「老師，最近我(打工存了一筆錢）想買器材，有什麼推薦的嘛？」
這大概是我遇到的問題前幾名了，每次有學生提到這個問題，我大概都可以聊個兩堂課的時間還講不完。

而其他樂器在購買上的選擇相對的都比較單純（吉他手可以專心在吉他、效果器，Bass可以討論琴本身...等等)

但是鼓的選擇就五花八門了，從電子鼓、踏板、小鼓到Hi Hat、Crash、Ride.....等等等。種類繁多、每個東西用途也都不一樣。

且通常第一次買器材的時候「預算」絕對是一個考慮的重點，因此本文就以在「只能買一樣東西」的情況下，討論如何選擇，日後才比較不會遇到「後悔」或是「買錯了」的狀況。(但是歡迎入坑 😃)

在這前提下，本文討論的方向以「需求」為優先，去探討先購入哪樣對自身的效益最高，而對於每個品相細部的聲音、差異性等的探討我會在日後慢慢的找機會介紹給大家。

----本文開始----

首先，關於鼓手的基本配備：鼓棒、打點板、節拍器這些我就不多說了，這些對走到想買器材的人應該都是標準配備了吧XD。

接著我就以電子鼓、踏板、小鼓、銅鈸幾個項目分別做討論

1.「#電子鼓」
電子同時具備了安靜、有聲音、訓練移位、可以跟著音樂、多種音色，拍個影片給自己看或是分享超方便....等等等的好處。
我自己在練習跟拍一些影片時主要也是用電子鼓。

但除了以上的好處外，電子鼓在練習跟使用上也有一些要點跟要注意的地方，日後會更詳細的討論在此就不多描述了。

而在正確的使用情況下，如果想要增加在套鼓上的練習，卻無法常跑樂器行且家裡無法放真鼓，或是想要放一套在家裡能夠簡單的拍個影片帥的，電子鼓絕對是你在選購器材的首選。

#基本電子鼓選購要點：

在選購時，可以列入考慮的主要因素有：需要的放置空間、觸感、對打擊的靈敏度、耐用程度、聲音的擬真性
而次要的因素有：配件、音色多樣性與調整的自由度、內建歌曲、位子的可調整度、擴充性等等

在允許的空間範圍及預算內，依照上面的各種因素所比較，便更能找到最適合自己的電子鼓。

2.「#踏板」
如果你跟我一樣被Yoshiki影響下定決心要踩一波雙踏帥的話，不要懷疑，雙踏絕對是你器材考慮的第一選擇。

而除了雙踏需求，踏板對我來說就像是有一雙自己習慣的鼓棒一樣（只是貴很多）。
為什麼這麼說呢？因為踏板本身跟聲音並沒有直接的關聯，反而跟個人的習慣、姿勢、流暢度有更深的關係。
此外，在表演、練習很有可能遇到不適合或是已經損毀的踏板（Ex：踏板無法跟大鼓固定、彈簧過緊、過鬆、生鏽/無法調整，或是鼓搥角度不對等等），進而影響演出或是練習的品質。

所以擁有自己的踏板，除了個人習慣與姿勢的養成更容易之外，在表演與練習上也會更穩定。

我個的人習慣是在什麼都不帶的情況下，我表演/練習（無論需不需要雙踏），我一定會帶著我自己的踏板，由此可見踏板對我的重要性了（在此對不需要帶踏板的人深深一鞠躬）。

#基本踏板選購要點
「越貴越好」的觀念並不適用在踏板身上，打個比喻好了，如果說一個6,000的雙踏跟13,000的雙踏比，分數是60跟88，但拿一個13,000的跟20,000的比，分數可能只從88 提升到92而已，且對某些人來說還可能覺得13000的比較好用。(因為呈上所言踏板跟本身的習慣有很大的關聯）
話雖如此，在選擇踏板的時候還是可以抓住幾個要點去選擇：驅動方式（直驅、鏈條）、靈敏度、可調整性（除了基本的彈簧鬆緊，還有踏板高低、鼓搥角度、能否將鏈條替換為其他驅動方式...等等）、配件等。
以上依舊是淺談，對於個別的差異性日後會討論。

另外有一個衍生的問題，就是那我現在沒有在踩雙踏，我到底該買單踏還雙踏呢？

哪怕你有一點點喜歡，或覺得你未來「有可能」會用到雙踏，那在選購上我一定會推薦以雙踏為主（更貴😅）。因為一方面雙踏裝一邊就是單踏了，且未來如果真的遇到雙踏的需求，也不需要再花一筆錢去多買一組雙踏--因為市面上9成以上的單踏是無法改裝成雙踏的。
但如果你覺得雙踏真的沒興趣的話，（比如說左腳想要拿來做一些hi hat 變化等等)那單踏真的就夠了，多買也是多花錢而已。

3.「#小鼓」、「#銅鈸」
為什麼這兩個會放在一起說呢？因為我覺得這兩個器材都跟聲音比較有直接的關聯，且在演出上的實用性比練習上多蠻多的，引此放在一起可以就「表演上的需求」做探討。
你可能會問說那為什麼不整套鼓擺進來討論，因為現實上表演能換/用自己的鼓的機率太低了，且單價也太高，如果以表演為出發點的話，我覺得與其買一整組，不如集中火力買一個單品，日後再慢慢的...入坑... 😃

在「先買小鼓還是先買銅鈸」的選擇上，我覺得完全是個人的選擇。先買哪個其實都沒有一定（因為反正買了一個就會繼續買了...？）。但是如果是有選擇困難的人，預算又只能先從一樣下手的話，我覺得可以朝以下的思路去選擇。

1.在各種表演的場合中，隨著經驗的累積應該會漸漸的摸索出哪一個聲音是你最想要提昇或用自己的：
可能你覺得遇到的小鼓都還OK，但銅鈸覺得應該可以再更好或是開始覺得想要特定的聲音，反之亦然。那麼朝向那個器材下手絕對沒錯，因為你的經驗告訴你現在你最在意的是什麼，或是對你來說最有感覺的是什麼。
這樣在選購的同時在聲音的選擇上也會更精準，而不致於在購買用了一段時間後突然覺得那不是你要的，或不適合。

2.另外一個方向也可能是因為身邊的人擁有什麼而接觸到，或是在爬文看影片的時候被某個聲音所吸引，可能你特別喜歡一個鼓手的小鼓，或是看了一場演唱會覺得什麼聲音很喜歡進而研究是哪一個牌子等等的，這些都有可能是觸發想添購器材的因素。

而銅鈸的購買，又有Ride、Crash、China、Splash...可以選擇，這裡就依照我認為的先後順序來做論述：

首要的當然是以「需求」為優先，好比你打的團或歌很需要China/Splash這類的聲音，但是現場的鼓組幾乎10之89不會提供，那當然二話不說就給他買下去了。

再來我個人會優先考慮的是Crash，為什麼呢？

一來一片Crash的單價相較於同等級的Hi-Hat/Ride一定比較低。

二來就我的經驗而言，各種Hi Hat跟Ride本質上的聲音落差不致於「太大」---當然還是會有細膩度、Sustain(延音）長短、亮或暗等等音色上的差別，但即使是一個很普通的Hi Hat，或是Ride，在演出上也比較容易利用自身的控制達到一定的音色而不致於過於影響演出的品質。

但是Crash的差異性就相對很大了，有些Crash生來就是Sustain很長、或很短，有些Crash生來就是很大聲、特別亮、有些Crash是大家俗稱的鍋蓋（？）。這些都是蠻常遇到的狀況，且這些聲音本質很難依靠後天的努力（手法、貼膠帶...等等）做出很明顯的改變。

雖然可能會覺得Crash大部分的時間也就是過完門敲一下，或是在相對使用量來說絕對比Hi-Hat/Ride/小鼓來的少，但是如果有歌的橋段是需要一整段用Crash當Time Keeper（就是一整段平常Hi Hat的部份都是敲Crash的)，或是有過門需要較多的Crash的（其實敲一下也就足以影響聽覺了），那一片Crash對歌曲/演出的影響程度絕對大於一組/一片Hi-Hat/Ride。

因此如果以演出需求的角度為出發點的話，除了需要的聲音（China、 Splash等效果鈸）同鈸選擇上我最推薦先購入的就是Crash了。

但是當然了，這些都是基於「表演實用性」這個點下去討論的觀點，如果是先遇到了一片/一組就是你心目中理想的聲音的Ride/Hi-Hat的話，這種機會可是非常可遇不可求的，當然先敗下去也是理所當然的。（有敗就給讚）

#基本的小鼓銅鈸選購要點
針對小鼓/銅鈸來說，真的就非常的五花八門且音色種類繁多了。剛接觸的人可能也對自己想要的聲音沒有太大的概念，甚至想爬文也不知道從哪裡開始。

而對聲音的認識，最入門方式之一就是依照自己喜歡的曲風/樂團/樂手，直接去研究他們用的牌子/型號，然後上網、或是找能試的地方去試聲音。

網路試聽的部分，現在蠻多大廠官網會放試聽檔，或是也可以上Youtube找聲音（下面我會提供YouTube試聽很有名的連結）

另外一個更直接的方式，就是如果你去Live House或是音樂祭看團/看演出的時候，如果那團的鼓手是自備器材，而且很喜歡他的聲音的話（就看換場的時候有沒有換就好了），在演出結束後如果有在台下（或會場）遇到的話，就不要害羞直接去問他是用什麼器材就好了（記得要有禮貌唷😅）。我相信大部分的人都會很樂於分享的（還會滔滔不絕講個不停，大家都是器材控）。

而針對小鼓/銅鈸音色的部份，要仔細分析絕對會是另一篇主題，日後我也會找機會討論，在此我就先以一個基礎入門認識的角度做很簡單的介紹。

1.小鼓：能夠改變小鼓聲音的因素太多了，從使用材質、尺寸、鼓皮鬆緊度，一直到鼓框不同、鼓皮不同、響線不同、甚至是做工的方式，都會影響到小鼓的表現（而且還都不小）

不過本質而言材質與尺寸是無法變動的，常見的差異就是金屬/木頭鼓度與深淺

在此我就列舉兩個例子給大家：
「金屬/較淺鼓肚」---Ludwig-14x5-Black Beauty
https://youtu.be/QpNEdqUWqDo
「木頭/較深鼓肚」---Harvest drum-14x6.75 Snare
https://youtu.be/aokHnICvbgg

上面兩個小鼓都是非常好的小鼓，而在聲音上的特質也很明顯，簡單比喻的話，第一個小鼓我會用「乓乓乓」來形容他的聲音，第二個我會用「大大大」來形容他的聲音。（不知道這樣說大家能不能體會😅）
而在兩個影片中，都有分別針對不同的鼓皮鬆緊度做示範（兩個都是由鬆到緊），也可以從中發現不同的鬆緊度對小鼓聲音的影響也是很大的。（簡單來說鼓皮越鬆聲音就會比較沉也比較鬆，反之的話聲音會比較緊也比較高）。

2.銅鈸：銅鈸的部份也會因為材質、製造方式、尺寸、厚薄...等等等的因素影響到聲音，不過單就聽覺來說比較入門的我們可以簡單的用「亮」「暗」「延音長」「延音短」來做區分。
以下也提出兩個例子：
「亮/延音長」---Paiste 18" Signature Full Crash
https://youtu.be/uQdhlaSbV0A
「暗/延音短」---Zildjian 18" K Custom Special Dry Crash
https://youtu.be/tQxaGF50NbE

上面的兩片鈸在尺寸上是一樣的，兩片也都是非常好的鈸。但應該可以很明顯的感受到所謂的亮暗長短的差別。想深一點的話也可以思考這兩片銅鈸用在哪方面的音樂比較適合。

以上聲音的介紹很簡單也不深入，但是就這個基礎下去認識更多的聲音，相信未來對音色選擇上也會更有想法與精準。

當然，考慮了再多，還是要回歸一點，就是自己喜歡最重要，音色上其實沒有一定哪種音色只能搭配什麼樣的音樂類型。如果自己喜歡、也能發揮得很好，那有何不可呢？
(就像我以前拿Yamaha Anton Fig小鼓幹恕樂團一樣😆)

---------

以上就是我對於選購器材的一些看法跟建議，希望對於剛入坑想要買器材的人有一些幫助，至於針對各項器材的細節比較，日後會慢慢討論。

選購上，能試到實體當然是最好的，如果沒機會的話只要秉持著「多爬文，多找資料，跟其他人討論」的方向，只要功課做的越足，買完才發現不適合的機率就越低。

也歡迎大家多多參與討論😁

#歡迎大家分享自己的入坑經歷
#更歡迎大家腦補各種細節資訊
#喜歡請分享
#再次給看完的人拍拍手

{{ 貳. 談談電吉他相關 }}_15

上週貼出的『木吉他 IR 測試活動』，後續私訊表達參與意願的同好頗為踴躍；我看了一下參與人員的資歷分佈，發現越是有職業專場演唱會經驗的吉他樂手，對於這個主題的關注、反應越高 --- 我推測是因為職業型樂手會更在意音色呈現反應在手感上的狀況，以及在各種『不可測』的現場演出硬體條件下，職業樂手會更希望取得『穩定』的音色表現。

這當然是很好的事兒！不過～ 我還有一點點不太一樣的想法：過去這些年，我有著多次在大學校園參與學生層級音樂競賽的經驗，大多數的時候，年輕同學所呈現的木吉他 Line out 音色，一直都有點不太對勁兒；首先，年輕同學可能還無法意識到『木吉他 Line out』究竟應該要包括哪些必要的週邊配備，以致於他們可能會願意投資在『買一把好琴』，但上到舞台時，只是『配合了現場 PA 工程人員的要求』，直接將 Line out 的吉他訊號接到現場 PA 工程人員所提供的『DI Box』--- 我猜想，也許這些年輕同學甚至還不是很能理解為什麼會需要一個『DI Box』(註 1)，也因此，對於一個『能夠提供 DI Box 功能的木吉他 Preamp』，可能也不在他們的需求範圍之內，更不用說到這種『超越 DI Box/Preamp』的『IR』慨念了。

我其實會希望年輕、有志於參與音樂活動的吉他同好們可以知道，隨著科技的大幅躍進，許多過去真的要『用錢堆出來』的器材或音色呈現方式，其實都已經有了非常便利的替代方案 --- 不說別的，二、三十年前，誰會想得到一整間要價幾千萬的錄音室設備，可以全部被一臺幾～ 萬元的電腦就幾乎取代了所有的功能 --- 甚至還更能有音色的實驗性？而追求『更趨近於用麥克風錄製的木吉他音色、並且不會有麥克風收音時的繁瑣限制』，在今時今日，其實用幾千元的器材就可以呈現 --- 關鍵只是在於『你知不知道有這件事』而已。

你如果看懂了我的暗示 …… 那就真是太好了！

[三. 電吉他相關器材測試]＿測試藍皮書_02 木吉他 IR file 應用實戰討論 – 2

我記得上次認真在 Youtube 頻道上認真搜索木吉他 IR 相關的影片，也不過是幾個月前的事；但幾個月之後，這類型的介紹影片，已經多不勝數！這篇文字的功能，就是希望在執行實際的研討活動之前，先就目前市場已經存在的『IR Loader』機種，做一個簡單的鳥瞰介紹。

但最開始，我一定要推薦『如何解決木吉他 Line out 的塑膠聲』的這一支影片，因為這位仁兄簡短明確地展示了『IR』可以如何改變你的琴音：
https://www.youtube.com/watch?v=wI_CtgKcxrg

你應該要知道整個神奇技術的工作原理嗎？這有關於『傅立葉轉換 – 頻域/時域』的種種細節，我其實根本沒能搞懂 --- 所幸，上回提到的孫紹庭先生，已經與他的團隊開始了自己的研究，我們也將於這一週在北藝大進行第二回合的技術討論，而這一切，在有機會完成我們國人自製的 IR 檔案後，我希望能一併整合到這一份技術藍皮書來為年輕的樂手同好做完整的介紹。

然後，我們來看看市場上各類型搭載了『支援第三方 IR』功能的機材，各自能有什麼樣的表現：

。來自『11 Rack』技術所發展的『Headrush Pedalboard』(https://www.headrushfx.com/products/pedalboard)：
https://www.youtube.com/watch?v=6ARh9iCLMYI

。這一、兩年 深受職業樂手所喜愛的高級實戰器材『Fractal AX8』以及相關產品系列 (https://www.fractalaudio.com/ax8-amp-modeler-multi-effects/ )：
https://www.youtube.com/watch?v=31HkpZCRnOw

。在軟題、硬體技術都獨樹一格的『Atomic Ampli Firebox』以及相關產品系列 (https://atomicamps.com/amplifirebox/ )：
https://www.youtube.com/watch?v=LyDDLYVNob8

。你不可能忽略的大牌 - 『Line 6 Helix』以及相關產品系列 (https://line6.com/helix/ )：
https://www.youtube.com/watch?v=jVGFaAuWWqo
https://www.youtube.com/watch?v=_RrHwtNiT5I

當然！其他你想得到、而我一時還沒找到示範影片的例如『Hotone Ampero』(https://www.hotoneaudio.com/products/Multi_Effects/Amperos/2019/0220/309.html )，甚至『Kemper Amp』的相關產品系列 (https://www.kemper-amps.com/ )、『Two Notes』的相關產品系列 (https://www.two-notes.com/ )，其實都能提供如上列示範影片所能呈現的音色能力 --- 這幾乎已經是市場競爭所不能忽略的主力戰區，只是前幾年，人們對於『IR』在吉他音色方面的應用，還只鎖定在『電吉他音箱箱體模擬』的這一塊；而現在，『木吉他琴體/麥克風收音模擬』的發展，大大地拓寬了『IR』這項技術在樂器演出的適用可能範圍。

除了上述這些動輒幾萬元的錄音室等級機材之外，在『幾千元』的入門型器材上，『IR』檔案的表現，其實也非常令人驚艷！譬如『 MOOER RADAR』(http://www.mooeraudio.com/product/Radar-51.html ) 這個微型效果器：
https://www.youtube.com/watch?v=ZXMz06S5OS0
它在現場演出的『音色水準/攜帶便利/價格』的整體性價比，較之於那些錄音室等級的設備，可能遠遠超越這兩個級別的價位差距！另外，同級的競爭商品，例如『Hotone Omni IR』(https://www.hotoneaudio.com/products/Omni/Omni_IR/2019/0308/316.html )、『Nux Solid Studio』(http://www.nuxefx.com/show-7-277-1.html )，它們的價格都遠低於傳統木吉他 Preamp/DI Box 的市場價位，但提供的是更具競爭力的最新技術支援。

上列的器材音色示範，他們所取用的『軟體核心』- 『IR file』，很有趣的，幾乎都是網路上可以免費取得的共享資源 (我似乎在先前的文章張貼過下載連結)；不過，也有一個範例使用了付費、版權專屬的產品 - 『3 Sigma Acoustic Impulses』(https://www.3sigmaaudio.com/acoustic-impulses/ )。這家公司的產品評價一直都不錯，我們可以看一下下面兩個示範影片：
https://www.youtube.com/watch?v=NmL-sq2Hizs
https://www.youtube.com/watch?v=n8fxFcy6BWA
由於我對於究竟『免費/付費』的 IR 檔案是不是有著神祕的水準差距感到非常好奇，因此上網以『10 元美金/每種經典琴款』的價位，購買了他們產品線上所有與木吉他相關的音色檔案 (其實，真的就是總數美金 100 元)，實際測試的結論是 ---

岔開結論。話說～ 看完了上述的示範影片，其實，你應該已經對於『IR』可以有的聲音表現，大致有了七、八成的領會；那麼，你何必要親自來參加這個『IR 技術研討會』呢？

因為 --- 別人示範的音色，怎麼樣都不會是你的音色！吉他手都知道，就算是同樣的硬體搭配、同樣的參數設定，換了自己來彈，那音色感受就是不一樣！你一定要親自聽過、看到這整個的實務操作 --- 最好自己拿來彈過，你才真正知道這種技術是多麼的不可置信。

這次的技術研討會，我會帶著傳統與現代、價格兩極化的器材，用免費/付費的核心檔案，實際說明這其中的分別，以及若干我的經驗總結；更重要的是，你可以用你自己的琴，親身感受科技帶來的技術分野，而且～ 還可以認識其他的吉他同好 …… 我真想穿越時空，把二十幾歲還在耍白癡的自己，拽過來看看 2019 年的世界已經是什麼模樣了！

再過幾個小時、晚間 11 點，這個私訊通知的機制就結束了。下一週，我會說明整個活動的日期與執行細節，還請先前已經私訊過的夥伴們繼續關注相關的訊息喔！

在此之前，我真的建議一定要把上列的示範影片好好看過喔～

裡面有些音樂家的音樂性真的很不錯！

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註 1. 什麼是『DI Box』，以及它到底是個什麼作用呢？谷歌大神有一整個系列的詳細說明： https://www.google.com/search?q=%E4%BB%80%E9%BA%BC%E6%98%AF+DI+Box&oq=%E4%BB%80%E9%BA%BC%E6%98%AF+DI+Box&aqs=chrome..69i57.8642j0j8&sourceid=chrome&ie=UTF-8

中岳哥寫得太好 有空我也要寫一點點編曲心得

{{ 參. 談談編曲實務經驗 }}_13

也許你終於選好了幾首很有時代性、經典代表性的曲目，準備打開你的 DAW 工作站要來挑戰這個『一比一拷貝』的鍛鍊任務了！我猜想～你應該就是在你萬用的電腦裡面，打開你所熟悉的編曲軟體，然後…尋找一些音色，憑藉著從這個專頁第一篇文章就請你訓練的聽力，開始要把你聽到的每一個樂音、節奏好好地抓出來，用 Midi 認真地紀錄下來～？

沒有什麼不對！但，我還是想講一個小故事，希望能對於你要開始執行上述工作前，能有一些效率提升的作用：

時間回到九〇年代的華語流行音樂製作環境的專業錄音室裡。那時候在台北最富盛名的幾間專業錄音室，譬如『白金』、『強力』、『雅弦』，每家錄音室的基本結構都大致相同：每一家都有好幾『套』仔細設計、注意聲學響應的『主控室加收音室』這樣的套裝組合，在想像中 ---至少我是這樣以為的--- ，這些『套裝』的錄音空間應該充滿了製作人、歌手、樂手，像是二十四小時不間斷地一直在生產音樂吧？等到我真的有機會開始『涉足』這些場域，我才發現，真正二十四小時不間斷『盤據』在這些錄音空間的角色，其實是『編曲』工作者，而且，百分之九十五以上，都是鋼琴背景或是鍵盤出身的編曲！

這些編曲家們日以繼夜地以錄音室為家，依恃著他們驚人的音樂才華與過人的體力，幾乎都是以『一天一首』(或以上) 為單位，提供了非常穩地的產出、來維持著九〇年代華語流行音樂恐怖的音樂製作產量。

但當時，電腦還是一種尚未普及的外星文化，這些鍵盤編曲家們所使用的『編曲中央處理器』，是一種只用來處理 Midi 訊號的、類似一臺工程計算機的器材 --- Midi Sequencer (樂器數位介面序列機： https://en.wikipedia.org/wiki/Music_sequencer )。這個『序列機』在處理 Midi 這件事會有多悲情呢？請參閱『KB FRONTNET』網頁作者『Mr.Liu』所寫的文章『時代的眼淚，風靡一時，卻驟然消逝的音樂製作產品』(http://www.kb-frontnet.com/archives/1546 )。這些編曲家們的大腦幾乎都是超高速電腦，可以將心裡所想的音樂聲部、音符，瞬間轉換為行列式的數字，鍵入在非常窄小的 LCD 條幕，透過這些序列機的指令來指示現在要由『哪一臺音源』的『什麼音色』，在『什麼時間』用『什麼力度』與『什麼時間長度』來發出『哪一個』或『哪些個』音……

你覺得～一首歌兒的編曲，總共會用到幾種樂器、加起來會有幾個『音』( Note) 呢？

而這些編曲家們是用『一天一首』以上的速度在提供音樂的產出……

不過，這篇文章不是要禮讚這些音樂工作者恐怖的大腦，而是要介紹一下那台『序列機』所『控制』的那些『音色』機器 --- 我們稱之為『音源』( Module)的器材。

這些『音源器材』的源起，應該可以追溯回到早在上個世紀中葉之前就已經研究發展的『合成器』(https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%90%88%E6%88%90%E5%99%A8 )，在經由加入流行音樂產業的過程中，逐步由非常『外掛調整』式的電子線路串接，發展成晶體或中央處理器的『內建整合』式的商用機型。此刻已經慣用現代3C產品的你，可能很難想像、理解，在九〇年代的時候，這些商用機型是如何地巨大、笨重卻又不可或缺！在當時的編曲家們所必須使用的 Midi 音源，每個人至少都有十幾二、三十『U』(https://baike.baidu.com/item/1U )的數量！那是什麼概念呢？我勉強用自己為數不多的器材、與網路上所能搜尋到的圖片，列為圖1與圖2，來解釋一下這些類似『冰箱』大小的機器群，是如何圍繞在這些編曲家們的身邊！

而這些『商用型音源』，從最初的『加法』、『減法』合成器運算開始，就致力於摹仿真實樂器的聲音，隨著運算技術的發展、進步，這些『合成音源』在九〇年代，就已經能夠提供非常華麗、擬真的真實樂器音色，以及非常豐富、大概只存在於外太空、異世界的奇幻聲響，而這些卓越的音色，為全世界的音樂工作者提供了充沛的能量，進而迸發了整個九〇年代多元而瑰麗的流行音樂文化。

然後更新、更厲害的技術出現、成熟了！樂器的音色不再只是依靠波型運算、組合去『模擬』，而是利用了『實際錄製』的方式，產生了『取樣音源』( Sampling) 的器材 --- 『取樣機』( Sampler)！

我第一次聽聞而被驚嚇不已的取樣聲音，其實只是一個 Bass 樂手在彈奏過程中常常會用到的情緒性手法『Slide up & down』(https://www.youtube.com/watch?v=Te7YULZA2kc )而已，真的只是『而已』！但在那個用『模擬運算』的合成器年代，那一聲惟妙惟肖的『Slide』，在我面前昭示了下一個世代風起雲湧的前兆！

果然！錄音室裡的編曲家們突然之間在原來的『冰箱機櫃』裡，紛紛加入了最新的取樣機種，譬如 Roland S760 (http://myweb.tiscali.co.uk/clouzeau/s760/ )、或是後來的取樣機王 Akai S-6000 (http://www.vintagesynth.com/akai/s5000.php ) 這一類的重兵器。但麻煩的是：當你使用任何一種取樣音色，你都必須將這些音色『叫進』( Load) 器材中的『存取記憶體』( RAM) 裡面，才能透過 Midi 去指揮它來發生音樂上的作用；這裡面的問題是：

1. 先別管在當時每個取樣音色實際上有多大的資料量，先看一下最厲害的兩個取樣機材產品的 RAM 配置的大小：Roland S760 原廠配備的 RAM 是 2M，最大擴充量是增加到 32M！是『M』喔！而機王 Akai S-6000 的最大擴充量是 256M！這個意思是：你以為能叫進多少種了不起的音色？

2. 好！也先別管可以叫進多少音色了，就說你今天想要一組非常真實的絃樂好了！你就得把與絃樂有關的取樣音色一個一個叫進來、用 Midi 鍵盤試彈一下是不是你想要的情緒與顏色，萬一很不幸叫進來的音色不甚理想，你就得將這個音色從 RAM 裡刪除、以節省記憶體的用量，然後重複這樣嚐試音色的動作，一直到找到你想要的音色為止 --- 然後天就黑了、也該睡了！

而這些偉大的編曲家們除了添購取樣機材的硬體之外，也一定會購買最新、最厲害的取樣音色，來讓自己的編曲內容一直有著他人無法企及的優異音色，這一買…音色的種類很快就成千上萬種地累積上去，而國外廠商死命地出版新的音色來擴大市佔，音樂家就不斷的買、再買……

故事的背景描述大概就是這樣的時代場景，而故事是：

大約在2000年前後的某一天，我走進編曲家鍾興民先生剛進駐白金錄音室的編曲工作室去拜訪老師 (前面提到編曲家們盤據在錄音室，但常常，會因為製作人所選定的錄音室有所不同，以致於編曲家必須帶著那些笨重的機櫃逐水草而居式地在各個錄音室間流動，像鍾興民 Baby 老師這樣固定『包』下一間錄音室的做法，在當時可算是首屈一指！)。還沒走進錄音室裡、在外面就聽到 Baby 老師在試著各種取樣音色；我心想：『不知道老師今天是編誰的案子？不如趁機來偷學一些招式！』。等走進之後、問過了老師，Baby 老師的回答是：『今天就是來聽音色、寫筆記的！』

[三. 關於編曲開始前應該要會的幾件事]_02 建立、認識你的基本音色

我不知道目前你的編曲實力與實例到了什麼程度，但我猜想，每一次當你要建構你的編曲時，你花在尋找音色的時間，恐怕是相對非常沒有效率的。在本世紀初期，取樣音色的種類爆炸式的產生、而且還沒有轉換成電腦可以直接匯入的格式之前，臺灣最傑出的編曲家鍾興民先生，每天都會花一定的時間去仔細研究他手上買進來的取樣音色片，對每一個音色做適當的筆記；他說：『你聽過了，腦海有了印象，之後有什麼編曲需要什麼樣的音色，找起來就快了！而且，常常音色自己會給你很多的刺激，你就會被激發出不一樣的想法、點子，譬如~~~』，然後老師就很開心地示範了隨便一個音色，彈出了我反正永遠也學不會的句型與節奏……

但，那一天我該偷走的東西，我非常有禮貌地一定就偷走了。

時間轉換到今時今日，電腦科技的神速發展，把當年對於那些編曲老師們的麻煩事兒都精簡到難以想像的程度 --- 隨便叫個幾『G』的取樣音色到編曲軟體裡，根本只是一根手指的事～而且理所當然！那麼，我真的會非常建議你，不論你的手上現在有多少音色，在你每一天的空檔裡，盡可能地去認識、理解這些音色 --- 我的意思是：現在的音色設計，比起當年更多了許多精細、精緻的音色控制參數，這些看似複雜的參數數值，請花一些時間、透過便捷的網路資訊獲取方式 (譬如 Youtube 看都看不完的教學示範)，來增加你對於音色的掌握，這對於你日後要在大家都可以有的音色資料庫裡脫穎而出，有著難以估計的巨大作用！

回到我們應該要練習的『一比一拷貝』；如果你是使用 Mac 的電腦，你應該可以用相對低廉的價格，購買到『Logic』相關系列的編曲工作軟體，這個系統裡，也內建了不少足堪使用的取樣音色。但如果你秉持著『工欲善其事，必先利其器』的觀念，想要進行下一步的音色升級計劃，我對於這樣的計劃有著一些小小的建議。不過～有三點需要說明一下：

1. 以下建議的音色方案完全不是來自『業配』的概念，而是我自己這些年來在 DAW 編曲系統下所實際使用過的建議，這些建議都符合業界工作標準，但不見的是所有專業編曲工作者都一定認同的選擇 --- 這些，只代表我自己的立場。

2. 『一次購買到位是最節省的採購方案』，一位青年樂手分享了這個觀念給我，我經過個人慘痛的反面實驗後，對此建議驗證無誤！所以～這些建議方案也許不是全然從定價合乎人性的角度出發。

3. 這些建議不會涉及任何精確的使用解說，相關進一步的資訊，我相信網路上一定有足夠的說明可供參考，還請自行發掘。

以下是我在 DAW 工作環境下，取樣音色或相關 Plug-in 軟體的建構建議：

1. 就『一次性』能有各類型高水準的取樣音色選擇方案，我會建議選擇『NATIVE INSTRUMENTS』所出的『KOMPLETE 11 ULTIMATE』(https://www.native-instruments.com/…/kom…/included-products/ )；特別是這其中會包含的『KONTAKT 5』這個『Sampler』控制介面，應該是現在最通用、方便的取樣控制器了。

2. 如果回歸到建構一個『Combo Band』所需要的基本節奏組，在鼓組的音色選擇上，我會建議：

a. 同樣來自『NATIVE INSTRUMENTS』出版的『BATTERY 4』(https://www.native-instruments.com/…/kompl…/drums/battery-4/ )，這套音色較之先前的版本，除了有很好的『原聲』鼓組之外，新增了許多更符合現今流行的電音鼓組音色。

b. 來自『TOONTRACK』的『SUPERIOR DRUMMER 3』(https://www.toontrack.com/product/superior-drummer-3/ )，可以研究一下這套取樣音色的錄製用心程度。

c. 來自『STEVEN SLATE DRUMS』的『STEVEN SLATE DRUMS 5』(http://stevenslatedrums.com/ssd5/ )，事實上現在的市場版本是『STEVEN SLATE DRUMS 4』，但因為廠牌擁有者本身對於『鼓組』音色的調校能力，讓我非常期待會在今年更新的第五版。

而在 Bass 的音色選擇上，我的第一推薦是在九〇年代就推出傳奇取樣音色『Bass Legends』(https://www.spectrasonics.net/produc…/legacy/basslegends.php ) 的『SPECTRASONICS』所升級研發的『Trilogy』(https://www.spectrasonics.net/products/legacy/trilogy.php )，它在編曲的元素上所提供的豐富性，是其他廠牌所難以超越的。

而『SPECTRASONICS』這個廠牌所出版的另外兩個絕殺產品『OMNISPHERE 2』(https://www.spectrasonics.net/products/omnisphere/index.php ) 與『STYLUS RMX』(https://www.spectrasonics.net/products/stylusrmx.php )，應該也是 Synth 奇幻音色類，與節奏 Loops 類音色中的翹楚之做！

但另外還有一個來自中國品牌『AMPLE SOUND』所研發『AMPLE Bass』系列 (http://www.amplesound.net/en/index.asp )，整個取樣所涵蓋的資料量非常驚人，而其所使用的運算法，在歐洲市場似乎是穩坐第一的寶座。另外，這個品牌所製作的吉他系列，其細緻的程度，也實在誇張得可怕：https://www.youtube.com/watch?v=AcwbH9LwLZk

3. 關於想擁有足夠聲音表情的管弦樂組音色，我想～應該可以考慮『IK Multimedia』所製作的『Miroslav Philharmonik 2』(http://www.ikmultimedia.com/products/philharmonik2/ )這套鉅作！

4. 因為我假設你會是吉他手，所以吉他類的聲音，應該會是直接用真實樂器來錄製，因此，除了前述的『AMPLE SOUND』系列以外，沒有什麼特別要推薦的；而如果你是鋼琴背景，我覺得你應該會去選購一臺音色與觸鍵都接近真實鋼琴的主控鍵盤，因此～似乎也不必班門弄斧了。

5. 但對於整體音色控制與處理上所需要的效果器類的 Plug-in 軟體，我會建議可以考慮『SLATE DIGITAL』所推出的『Everything Bundle』方案 (http://slatedigital.com/our-store/ )，這個品牌除了致力開發真空管、『Vintage』類型器材的模擬運算技術之外，它所提供的『月租型』方案，我覺得會是未來數位樂器世界的一種主流消費思考模式！

以上。

當然！音樂不必然一定要建立在奢侈的音色追求上，但如果我們一切努力，都是在未來期待能與業界接軌、不致脫離世界的主流標準太遠，那麼，在年輕的時期省吃儉用來投資在必要的『生財工具』上，我想，應該也還算是一種合理的自我要求吧？

祝～一切辛苦，都能有所回應！

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後記1. 在九〇年代的那些硬體音源，從現在的科技條件看來，當然有些落後、甚至不值錢了 (這一點，從現在這些器材的殘值大概可以有『一葉知秋』的體會)；但一直到現在，我在自己的編曲裡、特別是在節奏組，我還是常常將硬體音源與軟體音源混用，來彌補軟體音源常常會有的一種缺乏『實體音像』的問題。

而我現在還在使用的硬體音源，除了前述的 Akai S-6000 與 Roland S-760之外，還包括同樣是 Roland 的 JV-2080 (含擴充音色卡)、XV-3080 (含擴充音色卡)，以及一些『E-MU』這個品牌的 Synth 。

後記2. 我應該沒有提到當年那些編曲家們投資在硬體音源上的金額吧？我覺得…你應該也不會想知道；但我可以說：如果我們把前面所建議的軟體音源都買下來，那個金額比起當年的那些老師每個人投下去的數字，大概只有十分之一吧？也許可以這樣看：現在投入編曲工作的『入門門檻』，其實是很有人性的。

後記3. 因為書寫這篇文字，就順便翻出當年開始聽音色、寫筆記的一些紀錄，也算是對青年時代的一種回憶吧～～～