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【#地下榜單】

『 2019年「地下電影」心中台灣院線的 10 大佳片。』
　
2019 年有幸與 355 部電影共同走過，雖不算多，當中也有好有壞，但仍舊希望在此基數中，挖掘出自己的年度十大佳片，提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，做為 2019 年的回顧。
　
這份榜單評選標準為「2019 年度台灣院線電影」，不包含影展、串流、數位修復等片，故《婚姻故事》、《愛爾蘭人》、《教宗的承繼》和其他佳片不在榜單中（要不然排名會重新洗牌）。
　
此外，榜單中的某些電影為去年出品，但因片商作業時間拉到今年的台灣院線放映，仍舊選進評選。要說這份榜單的最大遺憾，應該是《燃燒女子的畫像》（Portrait of a Lady on Fire）了。
　
最後，謝謝今年有這些好電影，在紛擾的時代下，仍讓人有機會在漆黑場域，於光影中找到力量。
　
💞1.《#從前，#有個好萊塢》（Once Upon a Time In Hollywood），上映日期：2019/07/24

《從前，有個好萊塢》充滿昆汀塔倫提諾的作者印記，熟稔昆汀的影迷能在此作中發現許多昆汀的風格元素，並找到極大樂趣，武術、戀足癖、義大利西部片、美國老式B級片、非線性敘事手法、《惡棍特工》中火焰槍的惡趣味（將曼森視作納粹）等等，片名《Once Upon a Time In Hollywood》更揭示了全片在寫實中充滿想像空間（與時間）的童話故事性（呼應充滿逆轉性的結尾），令人感受到昆汀對於曼森家族血案的浪漫憧憬，並帶著觀眾想像世界的未來能有一點不一樣。
　
全片最令人感動的戲，私以為是由瑪格羅比飾演的沙朗泰在戲院與《勇破迷魂陣》（1968）合照，眾所皆知，這是莎朗泰被曼森家族謀殺前上映的最後一部電影（遺作《12+1》於死後上映），昆汀大費周章地將莎朗泰進戲院觀影的戲完整拍出，讓片尾的結局格外動人，處處流露出不捨之情。
　
在舊好萊塢的致敬中找到新意，貼近老靈魂賦予想像力，《從前，有個好萊塢》是一幅以懷舊為水墨潑灑而成的新畫作，昆汀大膽、奔放且柔情地獻給每位觀眾。如果說，艾方索柯朗敦厚、內斂地在 1970 年有《羅馬》和墨西哥城，那昆汀塔倫提諾則是絢爛、外顯地在 1969 年有《從前，有個好萊塢》和洛杉磯。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/31q4OCQ
　
💞2.《#寄生上流》（Parasite），上映日期：2019/06/28
　
《寄生上流》延續著奉俊昊一貫的「階級」命題，但奉俊昊揮別了跨國大製作，回到韓國本土後的創作視角更加犀利通徹，此作彷彿披著《小偷家族》的表皮，內藏《我們》的血骨，以喜劇方式大膽切入社會議題，底層社會的悲哀無奈全都建立在大量的黑色幽默之下，沒有過多《小偷家族》的溫情，卻同樣以「欺騙」（無論階級）解構出人、家庭、社會與國族中「生存」的無力之感。
　
奉俊昊在片中也透過不同的象徵符號凸顯階級的上與下，諸如山頂與水溝，半地下室氣窗以及落地窗的對比，豪宅中又藏的的地下室，此外，還有狗、蟑螂等生物跟人類求生本能的隱喻，印地安人階級與被掠奪的投射、韓國寄生於美帝主義等等，其中也透過或明或暗以及極具空間感的攝影掌握，呈現出富人與貧人的心理狀態。
　
有趣的是，導演在電影裡將嗅覺立體化，即便寄生於上流，卻擺脫不了無形的「窮味」，這如同階級般無法消除的窮味也成為電影裡的關鍵點，最精彩的一場戲，當然是那場「暴雨」，在精準的交叉剪輯中放大人性，更把階級無力之感的意象沖刷出來，如排山倒海般反覆衝擊人心。
　
《寄生上流》入俗，卻深富底蘊，以精心設計的劇情、環環相扣的連鎖反應，流暢的運鏡，精準的構圖，畫龍點睛的配樂，搭配演員極具張力的表演，終究對韓國社會完成了一則笑中帶淚的警世寓言，奉俊昊極具特色的作者印記，創造出自身的電影語言。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2ZbpPBu
　
💞3.《#幸福的拉札洛》（Happy as Lazzaro），上映日期：2019/04/26
　
此作表面抹上一層愛、善良與純真，但骨子裡包藏了導演艾莉絲羅爾瓦雀對義大利的哀愁，以聖潔的小寓言望向人類社會結構變遷上的巨大悲劇，其實更打破了文化隔閡的藩籬，跨越國族，這樣的故事或許存在於每個國家與階級中，且導演筆下的拉札洛實在令人討喜，拉扎洛或許象徵著使徒、英雄或是神祇，所以在結尾的死亡，才有了典型悲劇性的戲劇張力，流露出一股淡然的惆悵，這份惆悵並不令人討厭，卻教人鼻酸，甚至在觀者心中昇華成久久飄散不去的餘味。
　
小津安二郎曾說：「電影和人生，皆以餘味定輸贏。」在大銀幕上和拉札洛乘著時光機走過一遭，再回望自己的人生，或許我們都曾經善良的活過，卻因時間、空間、社會的轉變漸漸忽略內心與拉札洛相同的那份特質：是聖潔的使徒、是偉大的英雄、是不朽的神祇，或者更精確地說那是「好人的氣味」，而艾莉絲羅爾瓦雀則將這樣的氣味，以及那些逝去的美麗與當代的哀愁，永存進影像中。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2FDpe2S
　
💞4.《#安妮華達最後一堂課》（Varda by Agnes），上映日期：2019/07/12
　
《安妮華達 最後一堂課》作為這位傳奇女導的最後一部作品（紀錄片），在今年初柏林影展映演，影片從「靈感」、「創造」、「分享」三個面向出發，起於劇情片《五點到七點的克萊歐》，止於紀錄片《最酷的旅伴》，在短短 115 分鐘的片長，扣緊了安妮華達各階段性的重要創作。
　
華達不斷從過往的舊作分享其人生觀，對於喜愛華達的影迷來說，應該是一部集大全的嘉年華，《幸福》、《無法無家》、《功夫大師》、《千面珍寶金》等經典之作一部接一部地出現。此外，華達與德米的婚姻生活、互為因果的創作型態也沒被此片遺漏；然而，華達不只是電影工作者，更是行為藝術家，從「拾荒者」為概念核心，進而以馬鈴薯的概念延伸創作出藝術品，透過藝術品讓普世感受出生命，都是華達的可貴之處。
　
《最後一堂課》就像那些以前我們看見的作品一樣，謙虛的行為處世，飽滿豐沛的情感，活潑靈動的性格，造就了她的一生，造就了她的影像。
　　
全片也正如同華達最愛的沙灘那般，在沙灘上的風景，有天、有海、有地，最終拼貼成一幅送給世人最溫暖的美麗風景，想不到有任何謝幕方式比《最後一堂課》更好，謝謝電影，謝謝安妮華達。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/30Oo1hn
　
💞5.《#小丑》（Joker），上映日期：2019/10/03
　
陶德菲利普斯將此作時空背景設置於虛構的高譚市，然而，在分裂腐敗的高譚市中，更能與美國社會相呼應，從30年代經濟大蕭條走到21世紀初雷曼兄弟金融海嘯，自由經濟與資本主義的瓦解將眾人推向更無秩序的分裂，躁動的人心、底層的反動、階級的對立、政府的無能，在這樣的敘事背景中，處於社會邊緣的亞瑟，在爛泥般的生活中掙扎、對僅存的良善希望逐步瓦解，從城市的異化代入個人心理的轉變，《小丑》極佳地以緩慢的節奏緊抓故事核心，更將高譚市所謂的「虛構」指涉為「真實」，編導透過小丑的惡衝破文化藩籬，開槍鳴笛，打醒普世眾人。
　
「階級」的意象也透過「階梯」的形體象徵，更在示威抗議中體現，當窮人們在拋頭顱、灑熱血時爭取權益時，富人們坐在高級劇院中觀看查理卓別林的《摩登時代》，別忘記，《摩登時代》以經濟大蕭條的社會底層為命題，諷刺地在喜劇中呈現勞工階級於經濟危機中被大環境吞噬，無奈且無力，與命運拍桌對賭時，小人物的身影終教人鼻酸，導演刻意貼加此筆，加強其戲謔性，也暗示了故事走向。
　
然而，馬丁史柯西斯在《計程車司機》中，同樣闡述了階級的差異，《計程車司機》在後越戰時期討論了底層小人物的徬徨與迷惘，也流露出階級的不可違逆性，貫串全片的那句競選標語「We are the people.」過了43年，在陶德菲利普斯的《小丑》中則有了重新解讀的可能，或許「We are the clowns.」才是人性的最佳註腳，亞瑟與崔佛斯（《計程車司機》主角名），便是同一種人了。
　
🎥影評全文👉http://bit.ly/2ZFGCNg
　
💞6.《#沒有煙硝的愛情》（Cold War），上映日期：2019/02/14
　
波蘭導演帕威帕利科斯基繼《依達的抉擇》後，再度將故事背景放在二次大戰後，且同樣精彩地以黑白影像映襯出人性，交出不愧於坎城最佳導演的作品。
　
此片在黑白影像的質地、音樂的更迭當中將大時代下的愛情一刀一刀鑿下，故事主人翁糾纏橫跨20年的愛情，當中國族、權力、藝術間的天秤拉扯也都能自然鋪陳且不過於生硬，而每一段過場時的黑幕則留給了影像呼吸的空間，威帕利科斯基深知如何用影像說故事，其力道能生猛有勁，卻又同時能柔情似水，尤其片尾男女主角起身走出景框之外，留下風吹草動的無畏，將全片的餘味保留下來，綿延不絕地縈繞心頭。
　
冷戰的題材容易生硬且落入俗套，但帕威帕利科斯基能掌握住自己的風格，以小人物的情愛唱出時代悲歌，此片是導演獻給父母、波蘭的匠心鉅作。
　
💞7.《#痛苦與榮耀》（Pain and Glory），上映日期：2019/08/02
　
《痛苦與榮耀》為阿莫多瓦導演生涯第 21 部作品，同時為「導演三部曲」的最終章，從《慾望法則》、《壞教慾》 到今年的《痛苦與榮耀》共橫跨 32 年的時間完成，多數媒體稱之為集大成之作，故事描述描述年事已高的電影導演馬洛回憶起 60 年家鄉西班牙小鎮的故事，是阿莫多瓦的半自傳作品。
　
此作在今年坎城影展，於嚴格的場刊分數中拿到 3.3 的高分，僅次於奉俊昊拿下金棕櫚的《寄生上流》，且順利將第 8 度合作的「拉丁情人」安東尼奧班德拉斯捧上今年的影帝寶座。
　
綜觀全片，阿莫多瓦細水長流地不斷回顧自己生涯的點滴，誠懇地翻攪出私密記憶攤在銀幕前，讓自己、讓觀眾去品嚐阿莫多瓦的人生哲思，全片最棒的一場戲出現在收尾，一盞明燈點醒了阿莫多瓦與觀影的影迷，電影是美好與救贖的意旨油然而生。
　
如果說昆汀塔倫提諾藉由《從前，有個好萊塢》，與童年往事共存，用電影讓美好的想像延續；那阿莫多瓦則是藉由《痛苦與榮耀》，與過去的自己和解，用電影找到除病的良藥。
　
💞8.《#你的臉》（Your Face），上映日期：2019/05/17
　
《你的臉》花了兩個月拍攝13張臉，最後剪輯成76分鐘的長片，此作品無法分類，它不是紀錄片也非劇情片，它就是一部「電影」，這部電影運用特寫鏡頭聚焦於臉部，透過大銀幕凝視著每張人臉，沒有任何表演，只是述說過往，在一張張臉與一段段陳舊往事中，閃現了人類的複雜情感，當你靜下心，這張臉已然是全世界。
　
這種體驗已然是屬於蔡明亮與電影院的行為藝術，透過鏡頭與場域，任何事情都變得不同，任何記憶都將在這張臉中浮現，真實、虛幻、時間，在巨大的黑盒子中不斷交錯、解構與再造，最終浮現的，是生命之美，謝謝蔡明亮，每張臉都好美好美。
　
💞9.《#我們的青春，#在台灣》（Our Youth in Taiwan），上映日期：2019/04/12
　
《我們的青春，在台灣》表面上瞄準了太陽花學運，但這部片不只講政治，更多時候，更大的重點是在講成長中的那些懷疑、酸甜與苦辣，是傅榆導演紀錄著自己、陳為廷與蔡博藝的青春，寫下帶著些許矛盾、些許莽撞、些許動人的生命篇章。
　
觀眾跟著傅榆的視角，從《我們的青春，在台灣》中看著那些大大小小的社運活動，諸如士林王家、反對大埔強拆、反旺中壟斷甚至是太陽花，多數紀錄社會運動的紀錄片多半聚焦在運動本身，但傅榆卻捕捉到另一層可貴的種種片段，傅榆從時代的巨輪中望向自身的微觀之處，談明星神話的破滅；談彼此脆弱的時刻；談人性勇敢的光輝，全片私密且誠懇，帶勁卻溫柔，令人印象深刻。
　
去年傅榆在金馬舞台上的那席話，再到今年上映所激出的漣漪，已然讓此片成為台灣近年不可或缺的電影之一。
　
💞10.《#復仇者聯盟：#終局之戰》（Avengers: Endgame），上映日期：2019/04/24
　
《復仇者聯盟：終局之戰》裡，導演以時空旅行作為逆轉一切的關鍵，讓英雄在拯救未來的同時，卻也修補他們各自過往的遺憾，索爾與母親的感人對話、東尼對父親的釋懷、隊長與心愛女孩的再次相遇，每個英雄都藉由彈指事件，得以拼湊自我。而那些經典台詞、熟悉場景的重現，帶我們細數過去11年來英雄的點點滴滴，名副其實的最終之作。
　
羅素兄弟的群戲調度功力不用說，但此次劇情更顯沈穩，每個角色都有著自己的主場時刻，也在電影裡找到自己的最佳歸宿。「始於鋼鐵人，終於鋼鐵人。」最後一場鋼鐵人葬禮，集結所有重要角色，除了感受到鋼鐵人對 MCU 的不可取代，這場景同樣具承先啟後的意義，開山始祖即便退位，下一階段仍後繼有人。
　
此片是「遊樂園」系列作的影史標竿，無論是幕前幕後所激起的討論火花，或是影迷與產業間發展出的獨有文化，各方面來看皆是 2019 不可忽視的作品，且往後幾十年仍舊會不斷搬上檯面討論。
　
#新年快樂

【#地下榜單】

『 2019年「地下電影」心中台灣院線的 10 大佳片。』
　
2019 年有幸與 355 部電影共同走過，雖不算多，當中也有好有壞，但仍舊希望在此基數中，挖掘出自己的年度十大佳片，提供給讀者、影迷參考、交流或是留存，做為 2019 年的回顧。
　
這份榜單評選標準為「2019 年度台灣院線電影」，不包含影展、串流、數位修復等片，故《婚姻故事》、《愛爾蘭人》、《教宗的承繼》和其他佳片不在榜單中（要不然排名會重新洗牌）。
　
此外，榜單中的某些電影為去年出品，但因片商作業時間拉到今年的台灣院線放映，仍舊選進評選。要說這份榜單的最大遺憾，應該是《燃燒女子的畫像》（Portrait of a Lady on Fire）了。
　
最後，謝謝今年有這些好電影，在紛擾的時代下，仍讓人有機會在漆黑場域，於光影中找到力量。
　
💞1.《#從前，#有個好萊塢》（Once Upon a Time In Hollywood），上映日期：2019/07/24

《從前，有個好萊塢》充滿昆汀塔倫提諾的作者印記，熟稔昆汀的影迷能在此作中發現許多昆汀的風格元素，並找到極大樂趣，武術、戀足癖、義大利西部片、美國老式B級片、非線性敘事手法、《惡棍特工》中火焰槍的惡趣味（將曼森視作納粹）等等，片名《Once Upon a Time In Hollywood》更揭示了全片在寫實中充滿想像空間（與時間）的童話故事性（呼應充滿逆轉性的結尾），令人感受到昆汀對於曼森家族血案的浪漫憧憬，並帶著觀眾想像世界的未來能有一點不一樣。
　
全片最令人感動的戲，私以為是由瑪格羅比飾演的沙朗泰在戲院與《勇破迷魂陣》（1968）合照，眾所皆知，這是莎朗泰被曼森家族謀殺前上映的最後一部電影（遺作《12+1》於死後上映），昆汀大費周章地將莎朗泰進戲院觀影的戲完整拍出，讓片尾的結局格外動人，處處流露出不捨之情。
　
在舊好萊塢的致敬中找到新意，貼近老靈魂賦予想像力，《從前，有個好萊塢》是一幅以懷舊為水墨潑灑而成的新畫作，昆汀大膽、奔放且柔情地獻給每位觀眾。如果說，艾方索柯朗敦厚、內斂地在 1970 年有《羅馬》和墨西哥城，那昆汀塔倫提諾則是絢爛、外顯地在 1969 年有《從前，有個好萊塢》和洛杉磯。
　
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💞2.《#寄生上流》（Parasite），上映日期：2019/06/28
　
《寄生上流》延續著奉俊昊一貫的「階級」命題，但奉俊昊揮別了跨國大製作，回到韓國本土後的創作視角更加犀利通徹，此作彷彿披著《小偷家族》的表皮，內藏《我們》的血骨，以喜劇方式大膽切入社會議題，底層社會的悲哀無奈全都建立在大量的黑色幽默之下，沒有過多《小偷家族》的溫情，卻同樣以「欺騙」（無論階級）解構出人、家庭、社會與國族中「生存」的無力之感。
　
奉俊昊在片中也透過不同的象徵符號凸顯階級的上與下，諸如山頂與水溝，半地下室氣窗以及落地窗的對比，豪宅中又藏的的地下室，此外，還有狗、蟑螂等生物跟人類求生本能的隱喻，印地安人階級與被掠奪的投射、韓國寄生於美帝主義等等，其中也透過或明或暗以及極具空間感的攝影掌握，呈現出富人與貧人的心理狀態。
　
有趣的是，導演在電影裡將嗅覺立體化，即便寄生於上流，卻擺脫不了無形的「窮味」，這如同階級般無法消除的窮味也成為電影裡的關鍵點，最精彩的一場戲，當然是那場「暴雨」，在精準的交叉剪輯中放大人性，更把階級無力之感的意象沖刷出來，如排山倒海般反覆衝擊人心。
　
《寄生上流》入俗，卻深富底蘊，以精心設計的劇情、環環相扣的連鎖反應，流暢的運鏡，精準的構圖，畫龍點睛的配樂，搭配演員極具張力的表演，終究對韓國社會完成了一則笑中帶淚的警世寓言，奉俊昊極具特色的作者印記，創造出自身的電影語言。
　
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💞3.《#幸福的拉札洛》（Happy as Lazzaro），上映日期：2019/04/26
　
此作表面抹上一層愛、善良與純真，但骨子裡包藏了導演艾莉絲羅爾瓦雀對義大利的哀愁，以聖潔的小寓言望向人類社會結構變遷上的巨大悲劇，其實更打破了文化隔閡的藩籬，跨越國族，這樣的故事或許存在於每個國家與階級中，且導演筆下的拉札洛實在令人討喜，拉扎洛或許象徵著使徒、英雄或是神祇，所以在結尾的死亡，才有了典型悲劇性的戲劇張力，流露出一股淡然的惆悵，這份惆悵並不令人討厭，卻教人鼻酸，甚至在觀者心中昇華成久久飄散不去的餘味。
　
小津安二郎曾說：「電影和人生，皆以餘味定輸贏。」在大銀幕上和拉札洛乘著時光機走過一遭，再回望自己的人生，或許我們都曾經善良的活過，卻因時間、空間、社會的轉變漸漸忽略內心與拉札洛相同的那份特質：是聖潔的使徒、是偉大的英雄、是不朽的神祇，或者更精確地說那是「好人的氣味」，而艾莉絲羅爾瓦雀則將這樣的氣味，以及那些逝去的美麗與當代的哀愁，永存進影像中。
　
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💞4.《#安妮華達最後一堂課》（Varda by Agnes），上映日期：2019/07/12
　
《安妮華達 最後一堂課》作為這位傳奇女導的最後一部作品（紀錄片），在今年初柏林影展映演，影片從「靈感」、「創造」、「分享」三個面向出發，起於劇情片《五點到七點的克萊歐》，止於紀錄片《最酷的旅伴》，在短短 115 分鐘的片長，扣緊了安妮華達各階段性的重要創作。
　
華達不斷從過往的舊作分享其人生觀，對於喜愛華達的影迷來說，應該是一部集大全的嘉年華，《幸福》、《無法無家》、《功夫大師》、《千面珍寶金》等經典之作一部接一部地出現。此外，華達與德米的婚姻生活、互為因果的創作型態也沒被此片遺漏；然而，華達不只是電影工作者，更是行為藝術家，從「拾荒者」為概念核心，進而以馬鈴薯的概念延伸創作出藝術品，透過藝術品讓普世感受出生命，都是華達的可貴之處。
　
《最後一堂課》就像那些以前我們看見的作品一樣，謙虛的行為處世，飽滿豐沛的情感，活潑靈動的性格，造就了她的一生，造就了她的影像。
　　
全片也正如同華達最愛的沙灘那般，在沙灘上的風景，有天、有海、有地，最終拼貼成一幅送給世人最溫暖的美麗風景，想不到有任何謝幕方式比《最後一堂課》更好，謝謝電影，謝謝安妮華達。
　
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💞5.《#小丑》（Joker），上映日期：2019/10/03
　
陶德菲利普斯將此作時空背景設置於虛構的高譚市，然而，在分裂腐敗的高譚市中，更能與美國社會相呼應，從30年代經濟大蕭條走到21世紀初雷曼兄弟金融海嘯，自由經濟與資本主義的瓦解將眾人推向更無秩序的分裂，躁動的人心、底層的反動、階級的對立、政府的無能，在這樣的敘事背景中，處於社會邊緣的亞瑟，在爛泥般的生活中掙扎、對僅存的良善希望逐步瓦解，從城市的異化代入個人心理的轉變，《小丑》極佳地以緩慢的節奏緊抓故事核心，更將高譚市所謂的「虛構」指涉為「真實」，編導透過小丑的惡衝破文化藩籬，開槍鳴笛，打醒普世眾人。
　
「階級」的意象也透過「階梯」的形體象徵，更在示威抗議中體現，當窮人們在拋頭顱、灑熱血時爭取權益時，富人們坐在高級劇院中觀看查理卓別林的《摩登時代》，別忘記，《摩登時代》以經濟大蕭條的社會底層為命題，諷刺地在喜劇中呈現勞工階級於經濟危機中被大環境吞噬，無奈且無力，與命運拍桌對賭時，小人物的身影終教人鼻酸，導演刻意貼加此筆，加強其戲謔性，也暗示了故事走向。
　
然而，馬丁史柯西斯在《計程車司機》中，同樣闡述了階級的差異，《計程車司機》在後越戰時期討論了底層小人物的徬徨與迷惘，也流露出階級的不可違逆性，貫串全片的那句競選標語「We are the people.」過了43年，在陶德菲利普斯的《小丑》中則有了重新解讀的可能，或許「We are the clowns.」才是人性的最佳註腳，亞瑟與崔佛斯（《計程車司機》主角名），便是同一種人了。
　
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💞6.《#沒有煙硝的愛情》（Cold War），上映日期：2019/02/14
　
波蘭導演帕威帕利科斯基繼《依達的抉擇》後，再度將故事背景放在二次大戰後，且同樣精彩地以黑白影像映襯出人性，交出不愧於坎城最佳導演的作品。
　
此片在黑白影像的質地、音樂的更迭當中將大時代下的愛情一刀一刀鑿下，故事主人翁糾纏橫跨20年的愛情，當中國族、權力、藝術間的天秤拉扯也都能自然鋪陳且不過於生硬，而每一段過場時的黑幕則留給了影像呼吸的空間，威帕利科斯基深知如何用影像說故事，其力道能生猛有勁，卻又同時能柔情似水，尤其片尾男女主角起身走出景框之外，留下風吹草動的無畏，將全片的餘味保留下來，綿延不絕地縈繞心頭。
　
冷戰的題材容易生硬且落入俗套，但帕威帕利科斯基能掌握住自己的風格，以小人物的情愛唱出時代悲歌，此片是導演獻給父母、波蘭的匠心鉅作。
　
💞7.《#痛苦與榮耀》（Pain and Glory），上映日期：2019/08/02
　
《痛苦與榮耀》為阿莫多瓦導演生涯第 21 部作品，同時為「導演三部曲」的最終章，從《慾望法則》、《壞教慾》 到今年的《痛苦與榮耀》共橫跨 32 年的時間完成，多數媒體稱之為集大成之作，故事描述描述年事已高的電影導演馬洛回憶起 60 年家鄉西班牙小鎮的故事，是阿莫多瓦的半自傳作品。
　
此作在今年坎城影展，於嚴格的場刊分數中拿到 3.3 的高分，僅次於奉俊昊拿下金棕櫚的《寄生上流》，且順利將第 8 度合作的「拉丁情人」安東尼奧班德拉斯捧上今年的影帝寶座。
　
綜觀全片，阿莫多瓦細水長流地不斷回顧自己生涯的點滴，誠懇地翻攪出私密記憶攤在銀幕前，讓自己、讓觀眾去品嚐阿莫多瓦的人生哲思，全片最棒的一場戲出現在收尾，一盞明燈點醒了阿莫多瓦與觀影的影迷，電影是美好與救贖的意旨油然而生。
　
如果說昆汀塔倫提諾藉由《從前，有個好萊塢》，與童年往事共存，用電影讓美好的想像延續；那阿莫多瓦則是藉由《痛苦與榮耀》，與過去的自己和解，用電影找到除病的良藥。
　
💞8.《#你的臉》（Your Face），上映日期：2019/05/17
　
《你的臉》花了兩個月拍攝13張臉，最後剪輯成76分鐘的長片，此作品無法分類，它不是紀錄片也非劇情片，它就是一部「電影」，這部電影運用特寫鏡頭聚焦於臉部，透過大銀幕凝視著每張人臉，沒有任何表演，只是述說過往，在一張張臉與一段段陳舊往事中，閃現了人類的複雜情感，當你靜下心，這張臉已然是全世界。
　
這種體驗已然是屬於蔡明亮與電影院的行為藝術，透過鏡頭與場域，任何事情都變得不同，任何記憶都將在這張臉中浮現，真實、虛幻、時間，在巨大的黑盒子中不斷交錯、解構與再造，最終浮現的，是生命之美，謝謝蔡明亮，每張臉都好美好美。
　
💞9.《#我們的青春，#在台灣》（Our Youth in Taiwan），上映日期：2019/04/12
　
《我們的青春，在台灣》表面上瞄準了太陽花學運，但這部片不只講政治，更多時候，更大的重點是在講成長中的那些懷疑、酸甜與苦辣，是傅榆導演紀錄著自己、陳為廷與蔡博藝的青春，寫下帶著些許矛盾、些許莽撞、些許動人的生命篇章。
　
觀眾跟著傅榆的視角，從《我們的青春，在台灣》中看著那些大大小小的社運活動，諸如士林王家、反對大埔強拆、反旺中壟斷甚至是太陽花，多數紀錄社會運動的紀錄片多半聚焦在運動本身，但傅榆卻捕捉到另一層可貴的種種片段，傅榆從時代的巨輪中望向自身的微觀之處，談明星神話的破滅；談彼此脆弱的時刻；談人性勇敢的光輝，全片私密且誠懇，帶勁卻溫柔，令人印象深刻。
　
去年傅榆在金馬舞台上的那席話，再到今年上映所激出的漣漪，已然讓此片成為台灣近年不可或缺的電影之一。
　
💞10.《#復仇者聯盟：#終局之戰》（Avengers: Endgame），上映日期：2019/04/24
　
《復仇者聯盟：終局之戰》裡，導演以時空旅行作為逆轉一切的關鍵，讓英雄在拯救未來的同時，卻也修補他們各自過往的遺憾，索爾與母親的感人對話、東尼對父親的釋懷、隊長與心愛女孩的再次相遇，每個英雄都藉由彈指事件，得以拼湊自我。而那些經典台詞、熟悉場景的重現，帶我們細數過去11年來英雄的點點滴滴，名副其實的最終之作。
　
羅素兄弟的群戲調度功力不用說，但此次劇情更顯沈穩，每個角色都有著自己的主場時刻，也在電影裡找到自己的最佳歸宿。「始於鋼鐵人，終於鋼鐵人。」最後一場鋼鐵人葬禮，集結所有重要角色，除了感受到鋼鐵人對 MCU 的不可取代，這場景同樣具承先啟後的意義，開山始祖即便退位，下一階段仍後繼有人。
　
此片是「遊樂園」系列作的影史標竿，無論是幕前幕後所激起的討論火花，或是影迷與產業間發展出的獨有文化，各方面來看皆是 2019 不可忽視的作品，且往後幾十年仍舊會不斷搬上檯面討論。
　
#新年快樂

【無雷影評】《#沙贊！》一位既獨特又平凡的中二英雄 (7.6/10)
　
部落格 #無雷 原文：http://loory.tw/2019-03-29-223/
　
《沙贊！》是一部超級英雄喜劇電影，由大衛·桑德柏格執導，柴克·萊威、艾許·安傑、馬克·史壯主演，劇情講述一位十五歲的男孩比利，有著叛逆的性格而陸續換了好幾個寄養家庭，不過他不曾向他人顯露的善良內心卻使他被具有神力的神秘巫師選中，並賦予他名為「沙贊」的超能力。就這樣這位原本平凡的中學生只要大喊一聲便能變身成刀槍不入的超級英雄，但這也使他被迫面臨更多的敵人與挑戰。
　
根據前陣子華納執行長表示，今後DC將會更著重獨立的英雄故事，而非共同宇宙的未來計畫後，《沙贊！》作為「DC擴展宇宙」最新、但也可能是最後一部的電影，很自然地受到大量的矚目。然而比起查克·史奈德的灰暗、《水行俠》的華麗，《沙贊！》確實靠著跟前面幾部完全不同的風格，利用充滿胡鬧、中二、溫馨與輕鬆有趣的故事調性，為觀眾介紹一位我們可能相對不熟悉，但卻意外貼近我們日常生活，讓人耳目一新的超級英雄角色。
　
一直以來，恐怖片與喜劇片都只有一線之隔，跟喬登·皮爾恰好相反，曾執導過《鬼關燈》、《安娜貝爾：造孽》大衛·桑德柏格這次轉戰家庭喜劇算是適應得相當不錯，對我一位很不習慣這種青春YA片的觀眾而言，不僅多次被片中幾個通俗自然的笑點給逗樂，也完全能夠感受到這些角色之間的情感，還有人物本身所面臨的問題與挑戰。
　
雖說《沙贊！》是一部超級英雄片，但電影片頭卻反常地以反派「希瓦納博士」的兒時經歷為開場。然而這正是電影有趣的地方，同樣都是被家庭給拋棄的小孩，也同樣獲得足以稱霸世界的超能力，不過兩人在成長過程中受到的肯定與關懷的差異，卻注定使他們走向完全相反的局面，一個在找到原生家庭後獻上祝福離開，但另一個卻對他們施以最殘酷的懲罰。最終如此相似、但又截然不同的兩人碰上彼此，沙贊跟希瓦納的戰鬥演變成「家人的愛」與「七宗罪」的對決，也為整部片增添喜劇之外的難人尋味之處。
　
然而儘管個人走出戲院只給電影新鮮但整體中規中矩的評價，不過就我而言，最喜歡《沙贊！》的地方還是它成功跳脫了以往超級英雄電影的框架，不完全追隨傳統「啟蒙、挫折、成長」的角色曲線，以一位再平凡不過的十五歲男孩為主角，選擇把更多篇幅放在他對於自我價值的探索，讓「沙贊」單純成為他對現實人生的逃避。
　
與其說《沙贊！》是一部單純講述英雄如何拯救世界的故事，我更偏向把它視為一部結合青春校園與奇幻魔法的溫馨家庭喜劇，不光是片中對原生家庭與寄養家庭的描述、青少年在學校和家中可能遇到的問題，電影也注重在「何謂英雄」的探討。就像佛萊迪曾問過比利想要飛行或隱形，我們不妨也思考一下自己最想擁有什麼超能力？得到之後又會先拿來做什麼事？我想十之八九都不會是跟「拯救世界」有關，反而最多的可能還會是蝙蝠俠的「有錢」。
　
這樣就不難理解比利在成為沙贊之後的所作所為，不管是買酒、賺錢、幫別人充電，甚至是出手打擊犯罪的原始動機只是在測試能力，都把角色之後的轉變與成長變得更為豐富。英雄之所以能成為英雄，不在於他的能力為何，而是在他能如何運用他的能力，發覺自身的價值，並找到真正應該去做的事，或者應該守護的對象。《沙贊！》從家庭出發，並把故事聚焦在家人之間的愛與情感連結，雖然故事格局比其他英雄片小非常多，但電影的核心價值也更為清楚明確。
　
整體而言，如果把《沙贊！》看成一部小孩意外獲得能力的冒險電影，就很像是更為完整進化版的《魔劍少年》，而作為一部講述家庭成員的關係與青少年自我認同的電影又能把它當成是弱化版的《速成家庭》。或許對一部英雄電影來說只能稱得上「還算及格」，不過豐富的劇情內容、輕鬆有趣的故事節奏，加上柴克·萊威完全把體內十五歲小男孩完全釋放出來的稱職表現，整體成果還是足以讓人滿意。
　
華納兄弟台灣粉絲俱樂部