【#地下榜單】
『 2019 上半年，地下電影心中台灣院線的 10 大佳片。』
今年已過完一半，目前看完 173 部電影，雖不多，但藉機趁勢來整理『地下電影』2019 上半年前 10 大電影推薦給大家。這份榜單評選標準為「台灣上半年院線電影」，並不包含影展、串流、數位修復等片，謝謝上半年有這些好電影陪我們一同走過，下半年大家也要用力看電影！
以下排名有照喜好順序：
💞1.《#寄生上流》Parasite
韓國導演奉俊昊的《寄生上流》奪下今年坎城的金棕櫚大獎，成為首度抱回此獎的韓國導演，不僅如此，韓國票房至今也破 20 億台幣，證明此部片不僅深受評審青睞，對一般觀眾來說也能引起共鳴，兼顧商業與藝術的平衡。
《寄生上流》延續著奉俊昊一貫的「階級」命題，但奉俊昊揮別了跨國大製作，回到韓國本土後的創作視角更加犀利通徹，此作彷彿披著《小偷家族》的表皮，內藏《我們》的血骨，以喜劇方式大膽切入社會議題，底層社會的悲哀無奈全都建立在大量的黑色幽默之下，沒有過多《小偷家族》的溫情，卻同樣以「欺騙」（無論階級）解構出人、家庭、社會與國族中「生存」的無力之感。
而喬登皮爾透過地上、地下代表兩個世界的差異，奉俊昊則直接透過上下階層的互動，對韓國當代社會、甚至世界各地的貧富差距提出強烈的批判，高明的劇本以及台詞，讓觀眾入戲的當下，卻又能從喜劇中體悟到悲劇，後半段意想不到的劇情轉折，更把血淋淋的事實攤開，也把角色的美好幻想打碎。
導演在片中也透過不同的象徵符號凸顯階級的上與下，諸如山頂與水溝，半地下室氣窗以及落地窗的對比，豪宅中又藏的的地下室，此外，還有狗、蟑螂等生物跟人類求生本能的隱喻，印地安人階級與被掠奪的投射、韓國寄生於美帝主義等等，其中也透過或明或暗以及極具空間感的攝影掌握，呈現出富人與貧人的心理狀態。
有趣的是，導演在電影裡將嗅覺立體化，即便寄生於上流，卻擺脫不了無形的「窮味」，這如同階級般無法消除的窮味也成為電影裡的關鍵點，最精彩的一場戲，當然是那場「暴雨」，在精準的交叉剪輯中放大人性，更把階級無力之感的意象沖刷出來，如排山倒海般反覆衝擊人心。
《寄生上流》入俗，卻深富底蘊，以精心設計的劇情、環環相扣的連鎖反應，流暢的運鏡，精準的構圖，畫龍點睛的配樂，搭配演員極具張力的表演，終究對韓國社會完成了一則笑中帶淚的警世寓言，奉俊昊極具特色的作者印記，創造出自身的電影語言。
侯孝賢曾說：「我覺得總有一天電影應該拍成這個樣子：平易，非常簡單，所有的人都能看。但是看得深的人可以看得很深，非常深邃。」《寄生上流》就是這樣的電影。
‼️《寄生上流》完整長評解析預計下週刊登於『電影神搜』
💞2.《#幸福的拉札洛》Happy as Lazzaro
此作表面抹上一層愛、善良與純真，但骨子裡包藏了導演艾莉絲羅爾瓦雀對義大利的哀愁，以聖潔的小寓言望向人類社會結構變遷上的巨大悲劇，其實更打破了文化隔閡的藩籬，跨越國族，這樣的故事或許存在於每個國家與階級中，且導演筆下的拉札洛實在令人討喜，拉扎洛或許象徵著使徒、英雄或是神祇，所以在結尾的死亡，才有了典型悲劇性的戲劇張力，流露出一股淡然的惆悵，這份惆悵並不令人討厭，卻教人鼻酸，甚至在觀者心中昇華成久久飄散不去的餘味。
小津安二郎曾說：「電影和人生，皆以餘味定輸贏。」在大銀幕上和拉札洛乘著時光機走過一遭，再回望自己的人生，或許我們都曾經善良的活過，卻因時間、空間、社會的轉變漸漸忽略內心與拉札洛相同的那份特質：是聖潔的使徒、是偉大的英雄、是不朽的神祇，或者更精確地說那是「好人的氣味」，而艾莉絲羅爾瓦雀則將這樣的氣味，以及那些逝去的美麗與當代的哀愁，永存進影像中。
‼️影評全文：http://bit.ly/2FDpe2S
💞3.《#沒有煙硝的愛情》Cold War
波蘭導演帕威帕利科斯基繼《依達的抉擇》後，再度將故事背景放在二次大戰後，且同樣精彩地以黑白影像映襯出人性，交出不愧於坎城最佳導演的作品。
此片在黑白影像的質地、音樂的更迭當中將大時代下的愛情一刀一刀鑿下，故事主人翁糾纏橫跨20年的愛情，當中國族、權力、藝術間的天秤拉扯也都能自然鋪陳且不過於生硬，而每一段過場時的黑幕則留給了影像呼吸的空間，威帕利科斯基深知如何用影像說故事，其力道能生猛有勁，卻又同時能柔情似水，尤其片尾男女主角起身走出景框之外，留下風吹草動的無畏，將全片的餘味保留下來，綿延不絕地縈繞心頭。
冷戰的題材容易生硬且落入俗套，但帕威帕利科斯基能掌握住自己的風格，以小人物的情愛唱出時代悲歌，此片是導演獻給父母、波蘭的匠心鉅作。
💞4.《#真寵》The Favourite
希臘鬼才導演尤格藍西莫在《真寵》中同樣發揮的相當自在，此片令人印象深刻的魚眼鏡頭，體現出女性身處深宮中的卑微與微渺，更以隱晦的方式點出人心扭曲的意象，人性置放於權力的傾軋中極其怪異，鏡頭語言大膽而精準，而藍西莫的電影更少不了性的闡述與動物的符號象徵，《真寵》延續了藍西莫創作的軌跡與作者印記，以黑色幽默的口吻與驚悚暴力的視角審視了權威中淒涼的悲哀，可說是當代不可或缺的重要作者導演之一。
全片在從鏡頭、演員、服裝、美術、場面調度等各面向皆揮灑自如，雖說藍西莫首次執導非自身撰寫的劇本，比起「非普通」系列力道稍嫌不足，但《真寵》揉合了商業與藝術，可視做尤格藍西莫拉近普世觀眾距離的誠意之作。
💞5.《#你的臉》Your Face
《你的臉》花了兩個月拍攝13張臉，最後剪輯成76分鐘的長片，此作品無法分類，它不是紀錄片也非劇情片，它就是一部「電影」，這部電影運用特寫鏡頭聚焦於臉部，透過大銀幕凝視著每張人臉，沒有任何表演，只是述說過往，在一張張臉與一段段陳舊往事中，閃現了人類的複雜情感，當你靜下心，這張臉已然是全世界。
這種體驗已然是屬於蔡明亮與電影院的行為藝術，透過鏡頭與場域，任何事情都變得不同，任何記憶都將在這張臉中浮現，真實、虛幻、時間，在巨大的黑盒子中不斷交錯、解構與再造，最終浮現的，是生命之美，謝謝蔡明亮，每張臉都好美好美。
💞6.《#梵谷：在永恆之門》At Eternity's Gate
此片聚焦一代後印象派巨匠文森梵谷自殺前的最後時光，走進梵谷的心靈與世界。威廉達佛飾演的文森梵谷，早已在去年威尼斯影展就拿下影帝殊榮，今年更受到奧斯卡的青睞，搶進影帝入圍名單，角色詮釋上的難度不在話下，且在威廉達佛收放自如的演技中，達到賦予傳記人物再造與重現的可觀之處。
然而，《潛水鐘與蝴蝶》名導朱利安施納貝爾在此片的導演技法更是爐火純青，大膽張狂的手持韻鏡呼應著角色心境，沈穩內斂的色調替每顆鏡頭抹上不可置信的生命力，信手捻來皆是畫作、皆是梵谷的人生哲學，此片在這一導一演的相互輝映之下，達到了完成度極高的藝術成就。
💞7.《#我們的青春，在台灣》Our Youth in Taiwan
《我們的青春，在台灣》表面上瞄準了太陽花學運，但這部片不只講政治，更多時候，更大的重點是在講成長中的那些懷疑、酸甜與苦辣，是傅榆導演紀錄著自己、陳為廷與蔡博藝的青春，寫下帶著些許矛盾、些許莽撞、些許動人的生命篇章。
觀眾跟著傅榆的視角，從《我們的青春，在台灣》中看著那些大大小小的社運活動，諸如士林王家、反對大埔強拆、反旺中壟斷甚至是太陽花，多數紀錄社會運動的紀錄片多半聚焦在運動本身，但傅榆卻捕捉到另一層可貴的種種片段，傅榆從時代的巨輪中望向自身的微觀之處，談明星神話的破滅；談彼此脆弱的時刻；談人性勇敢的光輝，全片私密且誠懇，帶勁卻溫柔，令人印象深刻。
去年傅榆在金馬舞台上的那席話，再到今年上映所激出的漣漪，已然讓此片成為台灣近年不可或缺的電影之一。
💞8.《#玩具總動員4》Toy Story 4
這是一部很成功也很勇敢的續集電影，「為自己而活」一直是《玩具總動員》系列所刻意遺漏的，但這集給了玩具過往所沒見過的自覺，補足了缺陷，胡迪終將是胡迪該有的樣貌，不再附屬於誰，不用再害怕自己沒人要，不用再擔心孩子們長大遠離而去，第 4 集是胡迪勇敢做自己的啟蒙之旅。
然而，使你我落下淚的，是胡迪與那些老戰友們不捨的難分情誼，與每位朋友擁抱道別時，彷彿胡迪和巴斯才從阿薛家逃出來；彷彿胡迪和翠絲才一同從飛機場回家；彷彿那些你我共同經歷的冒險是昨日的記憶。《玩具總動員4》完整闡述了新的觀點，同時加入昔日的懷舊情懷，終究勾勒出如此撼動人心的結尾，有了第 4 集，玩具系列更加完整。
‼️影評全文：http://bit.ly/2ZV5OOM
💞9.《#復仇者聯盟：終局之戰》Avengers: Endgame
《復仇者聯盟：終局之戰》裡，導演以時空旅行作為逆轉一切的關鍵，讓英雄在拯救未來的同時，卻也修補他們各自過往的遺憾，索爾與母親的感人對話、東尼對父親的釋懷、隊長與心愛女孩的再次相遇，每個英雄都藉由彈指事件，得以拼湊自我。而那些經典台詞、熟悉場景的重現，帶我們細數過去11年來英雄的點點滴滴，名副其實的最終之作。
前半段導演細膩鋪陳英雄們的傷痛和絕望，聚焦角色歷經失敗後的各種模樣，有人找到家庭慰藉，有人仍為世界奮戰，也有人剩下仇恨殺戮，甚至是選擇自我放逐，不過當面對到逆轉局面的「第二次機會」，他們仍然勇敢上場，不計一切為宇宙奮戰。
羅素兄弟的群戲調度功力不用說，但此次劇情更顯沈穩，每個角色都有著自己的主場時刻，也在電影裡找到自己的最佳歸宿。「始於鋼鐵人，終於鋼鐵人。」最後一場鋼鐵人葬禮，集結所有重要角色，除了感受到鋼鐵人對 MCU 的不可取代，這場景同樣具承先啟後的意義，開山始祖即便退位，下一階段仍後繼有人。而最重要的是，這部電影更驗證了鋼鐵人在我們心中的重量，愛你三千次，此片無論是幕前幕後所激起的火花與獨有的文化，應是這個世代不可忽視的系列之作。
💞10.《#我們》Us
相較喬登皮爾的處女作《逃出絕命鎮》，這次他的《我們》不再把焦點侷限於黑人或其他種族的歧視議題上，而是把野心放得更遠，透過被「自己」追殺，運用分身零的概念，延伸出社會族群的對立與隔閡。
作為恐怖電影來說，《我們》毛骨悚然的橋段也不少，令人壓迫的氣氛以及恰到好處的血腥，令人讚賞。但恐怖氛圍到了最高點時，導演又可拋出幾個幽默笑點，緩解氣氛，讓觀眾被電影節奏帶著走。另外，喬登皮爾熟稔於符號的把玩，電影裡1111、剪刀、兔子、紅色囚衣等元素運用自如，從各個角度都能咀嚼導演背後的意義。
隨著劇情發展，我們與他者的界線也越趨模糊，最後的轉折更明確的指出「我們」就是「他們」，透露出自我認同的恐懼。無論純粹作為娛樂電影或當成一部警世寓言，《我們》都成功地把元素互相融合，並以喬登皮爾的語言呈現在大銀幕上。雖然劇情設定仍有瑕疵，但對於喬登皮爾敢於實現他的大膽以及野心，給予肯定。
