【生死之間 ~ 絲柏樹】
梵谷在1888年2月到1890年5月都待在普羅旺斯,從一開始的無限憧憬雀躍,極力捕捉南法田野風光,然後歷經與高更爭執引發的割耳事件,再至1889年5月住進聖雷米聖保羅療養院(Saint-Paul Asylum, Saint-Rémy ),此後一年他的創作可說已經走入成熟巔峰階段。但這也是他短暫37年人生中最後的時光了。
這位生前被輕忽的荷蘭畫家常藉由不斷描繪相同主題,反覆琢磨色彩使用、筆觸效果、構圖作用和表現技巧。
在他南法時期前半段有著名的《向日葵》系列,雖說梵谷自巴黎時期便已經開始畫向日葵,但與南法〝花瓶向日葵〞不同,巴黎時期的向日葵只有幾朵躺在桌上。這些向日葵對梵谷來說,代表生命、熱情、活力,還有南法燦爛耀眼的陽光。
到了聖雷米療養院階段,《絲柏》成為梵谷另一代表作。
療養院位於美麗遼闊的普羅旺斯鄉間,周邊被絲柏、杏樹和畫家喜愛的麥田圍繞。剛來此時,梵谷只能在療養院二樓房間透過窗戶作畫,後來在院方人員陪同下才得以外出描繪。
這時期梵谷筆下的《絲柏》(Cypresses),以厚重顏料和漩渦狀筆觸無盡旋轉,一筆一筆勾勒出恍若直衝天際的綠色火焰。這般經過琢磨研究,段促有力又充滿動態的筆觸,表現出畫家努力追尋他心目中,線條和比例都恍若埃及方尖碑般震攝視覺的絲柏樹。
就象徵意義來看,向日葵代表盎然生意,如同梵谷起初滿懷希望來到南法的情景;而絲柏卻含有死亡和哀悼的意味,無論梵谷是否有意為之,似乎那麼恰巧,也反映出他當時的情境。
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在古希臘和拉丁詩歌中,絲柏常與喪禮有所聯結,因此又被視為〝死亡之樹〞,古羅馬作家兼政治家-老普林尼(Pliny the Elder,23-79)在著作中也曾提及絲柏為掌管陰間萬物的冥王(Pluto)象徵。
絲柏為何被賦予死亡涵意?這又要回歸到希臘神話。
賽帕里索斯(Cyparissus)是太陽神阿波羅非常鍾愛的一位美少年,美少年最常與一隻毛色光亮、體態健壯但性格溫馴的雄鹿相伴。但就在某一天,少年卻不小心用自己的狩獵標槍射死了在樹蔭中打盹的雄鹿。
錯手殺死摯愛,賽帕里索斯悲痛萬分地伏倒於雄鹿屍體身側,最後化成一株絲柏。從此,哀傷的人種植絲柏樹表現哀思,而墓地附近也會栽種絲柏,因為它寓意了哀悼與永遠無法平復的傷痛。
這段悲劇故事後來常被畫家們取材,成就一幅又一幅的經典,畫面上通常是賽帕里索斯哀痛地輕撫雄鹿屍體,或是太陽神阿波羅守護著賽帕里索斯生命即將消逝,轉化成絲柏樹的前一刻。
另外,絲柏也象徵早期為了宣揚基督教而殉教的聖徒。可能也是枝椏奮力向上延展,姿態似乎可觸及天堂,因此絲柏又與聖母瑪利亞、耶穌基督和教堂有所關聯。
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細細觀看梵谷的《絲柏》,我們無法確定那些充滿動感和力量的小漩渦是否跟他躁鬱症發作時所產生的幻覺有關?或僅是不同表現技法的重複性實驗?或者是揉合幻覺與創作方式所產生?但他不顧身體病痛,以極盡自虐的方式,燃燒生命去點燃的藝術火光卻是如此熾熱耀眼,也因此讓他的作品感染力更具體更衝擊。
於是在我看來,絲柏,不僅標識死亡與哀悼,也體現了一個畫家的生命、執著與熱情。
#梵谷 #絲柏
#希臘神話
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【冷漠的咖啡時光】
茶、咖啡和巧克力都是從外地傳入歐洲,自17世紀開始盛行,也是約17世紀後半,歐洲最早的咖啡館和茶館才在各地陸續開張。這幾樣來自亞洲與美洲大陸的飲品,代表輕鬆愜意的餐後氣氛,逐漸成為歐洲人餐桌上不可或缺的重要角色。
《餐廳》(The dining room,1886-87)就是點描派(Pointillism)代表人物席涅克(Paul Signac,1863- 1935)筆下的咖啡時光,曾於1887年獨立沙龍展中展出。但這個餐廳指的是家庭用餐空間,並非公開營業的餐廳。
照理說應該輕鬆愉悅地啜飲咖啡,但細看畫面,卻完全不是這麼一回事。
被白色桌巾覆蓋的大圓桌佔據了畫布1/4面積,右側坐著一位衣著考究,髮鬢灰白的老先生,一手正拿著雪茄,在他面前有杯咖啡,盛裝咖啡的精美瓷器杯具和咖啡壺已經顯露出這是資產階級家庭。正在啜飲咖啡的女子後方有著厚重窗簾,窗簾前擺放的盆栽是19世紀非常受歡迎的室內裝飾物品,牆上並展示著瓷盤收藏。女子手肘旁是餐巾和餐巾環,從這些細節便可知道這戶人家多講究生活。
其實席涅克描繪的對象就是自己的祖父和母親,場景也是自己家裡的用餐空間。席涅克也算是個幸運兒,祖父和父親將馬具事業經營得有聲有色,1880年父親因肺結核去世時,家族事業便轉售給他人,所得資產讓祖父與母親可以搬到巴黎西北阿涅勒小鎮(Asnières)安享退休生活,也使得小席涅克從此生活無虞。
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席涅克原本受莫內啟發,想成為一名印象派畫家,結果在1884年遇上點描派祖師爺秀拉(Georges Seurat,1859-1891)之後大為震撼,隨即投入這些色點分析的世界裡。創作《餐廳》時,便是他開始鑽研點描畫法時。也是同一時期,梵谷從巴黎搬來阿涅勒,與席涅克成為好友,兩人在1887年4-5月期間常相約在阿涅勒塞納河畔寫生。
在此梵谷畫下了河岸景色、咖啡館和餐館等主題,也採用了點描派技法從事創作,表現方式變得更多元。他的筆觸變得較為細碎、透視點較短,色彩轉向鮮豔明亮。
1887年底,梵谷在巴黎籌辦畫展,席涅克很給面子地參與展出,雖沒賣出半張畫,梵谷也與高更交換了畫作。直到1889年3月,割耳事件發生後兩個多月,席涅克還跑到南法去探望梵谷,那是梵谷待在阿爾(Arles )的最後時光。
講完中途來插花的梵谷,再回頭聊席涅克。
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《餐廳》是席涅克早期點描作品,從中可見到他正熱衷於實驗顏色和互補色對比作用,最主要是藍色和橘色的互補效果。他效仿秀拉,不在調色板上混合顏料,而是將色彩解析成細密色點,讓觀者的雙眼在遠看時自動混合顏色,形成陰影、質量與體積。
比如從窗外射進的光線在白色桌巾上產生陰影,桌上的碗盤陰影中,便可見到橘色與藍色的互補作用。等於是透過分析解構色彩幻化成色點後,再組合成絢麗又和諧的視覺呈現。
不過要是從人物安排看來,我們卻絲毫看不出氣氛有多溫馨親密。很明顯,畫裡頭這三位,無論眼神或動作,彼此之間沒有任何互動。
畫家刻意強調祖父的龐大身軀和握緊的左手,表達其威權;母親低頭啜飲咖啡的動作暗示著謙遜、順從,甚至是膽怯。都坐在同一張餐桌上,他們相隔並不遠,但透過人物體積大小的畫面安排,看起來卻隔了好大一段距離。何況中間還有個手拿信件,似乎只有功能卻沒有人性的女僕,更強調彼此的距離感。而厚實的大片窗簾更把他們包圍在自己的世界裡,與外隔絕。
據說席涅克祖父本人其實很和藹可親,畫家之所以如此表現,應該是藉此傳達對資產階級的批判。作為畫壇中有名的左派激進份子,這幅畫表現出席涅克的政治主張,雖然他未曾加入法國共產黨。但他透過描寫資產階級講究的日常飲食和生活習慣,強調其僵硬、毫無生趣的氛圍,好批判他們的矯飾之情和虛偽膚淺。
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話說回來,像這樣在桌邊各行其事互不關心的景況,是不是也常出現在生活已然便利舒適,大家卻只忙著滑手機,卻忘了要關心身邊親友的現在?
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小巴密友夫妻兩人來巴黎快閃旅遊,指定要看梵谷在光之博物館的數位展。本來小巴是覺得我都看過阿姆斯特丹的梵谷博物館真跡,這數位展究竟有什麼好看的?!(疑心病很重),還好他們有邀請我一起去,不然我可能就錯過了跟傳統畫展完全不同的參訪體驗。
如果傳統博物館是讓我們試圖理解畫家要表達的想法和故事,那數位展則是讓我們進入梵谷的畫作之中,感受他在作畫時的心情。
利用數位科技可以無限放大畫作的尺寸,因此在「羅納河上的星夜」以100倍以上的大小投影在牆面上時,我們也跟著梵谷,面對著相同的景色星光閃閃、波光粼粼的夜色下,搭配背景音樂。彷彿跟梵谷置身在同一時光背景中。
展覽作品不多,大約20幅作品,從梵谷早期色彩灰暗的農家艱苦生活,到巴黎後受到印象派影響開始使用明亮的色彩大膽的筆觸、到南法時跟高更的友情歲月受到精神病折磨、再回到巴黎時他自殺前寧靜又孤單寂寞的心情。
這位早逝的畫家27歲才開始繪畫,37歲結束生命,10年內的畫家生涯卻留下讓人難以忘卻的溫暖色彩、他內心的矛盾與瘋狂也從他獨有的筆觸展現出來,運用科技技術模仿繪畫時筆觸和過程也是傳統畫展沒辦法表現的。
梵谷中期受到日本浮世繪影響,也有展出小型浮世繪
梵谷主展約30 分鐘,其餘兩個小展約10分鐘左右。會連續播放。
光之博物館 梵谷展覽2/22-12/31 2019一直到年底。真的很推薦給你們,不像傳統展覽這麼嚴肅又深澀,是個可以很放鬆欣賞作品又好玩的展覽。建議線上預約訂票,因為現場排隊的人可不少,有時候預約額滿,現場就不售票了喔
影片是設計師夫婦二人錄製的,要不要這麼有才華!現場真的就是這麼棒!趕快來安排行程吧!
之前小巴介紹的巴黎近郊 Auvers-sur-Oise 梵谷生前最後兩個月居住地,小鎮的風景就跟梵谷的畫作一模一樣!梵谷畫迷一定不能錯過 👉
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昨日未講畢加索的《阿爾及爾的女人》以天價拍賣,成交價是1.79億美金。我想講講這些東西。其實我都不是太熟悉,不過也想跟大家講講。成交價其實即是13.8億港元。
畢加索是奠定近代畫的三大師之一,尤以他最有名。以我粗淺的認識,畢加索之前是印象派,代表畫家有塞尚、莫內、高更、焚高等人。印象派之名是來自《印象 日出》那幅畫。印像畫派甚麼?那不是物件的實際樣子,跟古代的寫實派不同,而是表現出印象中的景物是怎樣,所以不是那麼寫實,而是加了一些主觀的元素。其實印象派有很多光和影的所產生的效果,用色也較大膽。如果以我這些外行人來講,印象派的畫是覺得很好看。
去到近代,最有名的是畢加索。他早期時,有位朋友自殺死了,令他變得很憂鬱。這是畢加索的藍色時代,他用很多黑色和藍色,看來很憂鬱。有一幅《生命》(La Vie)達到了憂鬱的最高峰。他最著名的是《年老的吉他演奏者》《索羅的肖像畫》或者《蘇珊寶殊的肖像》最能突顯他的憂鬱。
第二個時期叫做畢加索的攻瑰時期,因為他那時拍拖,遇上一個他很喜歡的人,費爾南德,於是他很開心,於是用了很多暖色調,畫了人生開心的事,像馬戲班表演、小丑和各種滑稽角色,穿著格子衫的滑稽角色成了畢卡索的個人標誌。而這個時期成交價最高的的是《拿著煙斗的男孩》。去到這個時期,他的畫還是易理解的。我們看上去還是會明白的。
去到晚期,他受到黑人畫作的影響,變得非常大膽,後來的代名作是亞維農的少女。
這次拍賣的這一幅畫,《阿爾及爾的女人》前後畫了十多幅,這是O verson。這是向另一畫家致敬。別人畫過,所以他又畫這個阿爾及爾的女人。這是較晚期的作品。立體派是大家看不明白,那是用理性的分析,而不再是用立體透視來表達,把形象抽離出,然後重新組合,對所突出的東西有更深刻的感受。這些代表作在美學史上是重要過《阿爾及爾的女人》,所以我不知拍賣會值多少錢。後期的作品創新度更多高。那些畫作不知值多少錢。藝術品每一個都是one of a kind,所以價值是難以估解。畢加索不但畫畫叻,在雕塑上也很叻。他是一個西班牙人,但內戰時支持共和派,怎知給共和派給打敗,於是他去了法國,然後終身沒有回西班牙。張大千曾經找他,和他留影,表示東西大畫家結合,其實也是沾人光。張大千地位當然不能和畢加索比。但中國畫炒得很貴是因為中國人有錢,喜歡炒賣,不過最近反貪,所以價錢下跌不少。
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