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台南款ㄟ「飯桌仔」文化＿＿

還記得小時候去台南，偶爾會聽到長輩把「台南款ㄟ巴惠」掛在嘴邊說，語氣裡藏著一種對城市驕傲的認同感。
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大一點後才明白，長輩口中可愛的巴惠，其實是借用了法文字詞buffet，藉以形容台南獨特的「#飯桌仔」餐食文化。
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當時他曾帶我們鑽進了巷內一間毫不起眼的小店準備吃午飯，還不到11點，裡頭卻早已是人頭簇簇，我疑惑的眼神很快被他看穿，「戇仔（gōng-á）才會中晝（tiong-tàu）來！」來看菜盤被掃空。
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只見每張餐桌上，群體快手扒飯夾菜、穿插人進人出，好美，肚子咕嚕咕嚕，好想加入，如果是現在，真想借用海明威的經典巨作來描繪，畫面就像一席流動的饗宴。
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桌上擺滿玲瓏盤碟，碟內是繽紛台色配菜，先將飯碗端捧於掌心慎重以待，後俐落伸出筷子，東夾一點西揀一點，旁邊是隨時能潤喉的熱湯，當暫時不用再煩惱生活時，吃飯瞬間變得無比舒坦，裡頭帶著一種自由。不管是一家人分食，或是三教九流有緣相遇併桌，每個人都被允許能順著自己的節奏，讓肚皮和心靈暢快。
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通常早餐開始，檯前氣氛就一路喧鬧奔騰了，後場廚房裡執掌大灶的人像沒命似的瘋狂炒料，讓排列的菜盤能不停補新，維繫壯觀榮景，供給端的工作節奏越是穩定流暢，消費端的感官享受就越能一體成形。
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想來長輩開玩笑用buffet來形容飯桌仔好像也沒錯，因為buffet的形式非常多元，刻板印象會直接連結的是如今時興的all-you-can-eat自助式無限總量吃到飽的形式，但實際上buffet也能用限量式自助、計盤碟數或是秤食物重量等的方式提供，但核心概念相同，就是你可以自由選擇你想吃的。因此如果要說飯桌仔是帶有濃厚台式風情的buffet似乎也就說得通。
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長大後，隨著自行拜訪台南的機會日漸頻繁，我的口袋裡也長出了自己的一份清單。以飯桌仔的類別來說，心中屬意的就有3、4家，除了有80年歷史的 福泰餐桌 外，海安路一段有間超低調的小攤也是我的愛，另外就是照片裡取景的店家 #好地方蝦仁肉絲飯 也還保留著飯桌仔的美妙傳統。
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主角雖是蝦仁飯，但好地方檯前琳瑯滿目的配菜，當日現做現炒，分外搶戲，熱炒或燉滷都有，每樣皆讓人醉心，咖哩花椰菜、現烤台式香腸、肉臊汁滷筍干豬皮、爌肉、煎蛋條、燴絲瓜、炒酸瓜等……道道招牌，道道下飯，時間越晚，賣光的缺項就越多，要調整的是你自己的生理時鐘。（這的蝦仁飯和台式香腸也值得大說特說，之後另外分享！）
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飯桌仔因為不會自由取用，而是開口後由店家斟酌固定分量夾到盤碟裡，因此當人越多，能點的菜餚當然也就越多（要自己去吃也是完全沒問題，只是很難盡興點菜），當整桌被圓圓滿滿的塞滿時，的確是會有那種自助餐甚麼都吃得到的爽快感。
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如果真要仔細區分，我會說，Buffet追求的是餐桌上個人主義的極大化，飯桌仔則比較偏向集體利益的共享與氛圍交流。
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#島嶼晃遊者
#高雄之外___台灣好食111
#所有照片皆在三級警戒前拍攝

【太陽處女】當秩序不再是想像的樣子
#太陽處女 #處女座 #占星與心理學
太陽正式走進處女座，在這個時節正準備要收割稻物，需要大量的人力，並且將穀物雜質篩選掉的時候。于玥的同學家中目前正忙著採收龍眼，並將龍眼曬成最滋養的桂圓乾。

根據《神農本草經》記載：「桂圓久服能強魂聰明，輕身不老，開胃益脾，補心長智」，補益心脾，具滋養作用，是傳統上常見的補血藥之一，可以用在心脾兩虛的失眠、健忘、驚悸等症，能補脾胃之氣，又能補營血不足。（這也是為何處女座也很在意健康？）

由於我的行星沒有一顆是處女座，加上水星落陷在雙魚，等同於維持秩序、整理與行政相關的工作是我的劣勢功能，所以我父母常常認為我的房間總是整理得不夠整潔。因此，我一開始對於處女座也感到很不喜愛，畢竟我是一個這麼難以維持"秩序"的人。

然而，在學習命理的過程卻發現了秩序的重要性，我們的身心健康被太陽與月亮的起落牽引著，而我們所種植的穀物也被時節所影響著；古時候的人們為了要在這個大自然生存下來，就必須要看懂星象與四季之間神秘的關聯性，這也是為何24節氣顯得如此重要。

在今年太陽走進處女座之前，水星與火星處女已經先行，並且與天王星金牛三分，接著會與海王星雙魚對分，最後則與冥王星魔羯三分；這意味著我們將會意識到許多原來我們想像的節奏感，可能會突然被現實狀況或資源的限制而需要重新調整我們的表達與作為，不論準備好了沒，都仍是有一種強烈的剝奪感以及失去應有的秩序感、可掌握感。

冥王星，將為我們帶來深刻的轉化，在那之前我們得捨棄對於掌握秩序的渴求，至少在過去疫情期間，我們意識到健康與免疫系統的重要性，但也讓我們不得不將個人的色彩掩蓋起來，為了保護自己與眾人的健康，戴上了口罩。

"自殺的意象代表「我」的終結：在心理分析中，個案會發現所有的死亡都是關於他自己，尤其是在夢中。他在夢裡用刀子切開了舊秩序，燒毀它，然後埋起來。建築物倒塌：腐敗、蠕蟲、或屋內失火。他參加喪禮，進入墳場....整個脈絡與結構都要破碎了，所有的聯繫都要鬆脫了，所有的束縛都要解開了。「我」將被無條件地徹底解放。"取自"自殺與靈魂"一書。

蔡昌雄教授在心靈工坊課程中提及："個案真正想要擺脫的是這個＂社會中的我＂，我們能夠協助他們的是將這個＂我＂與真實的＂自性＂（Self）區分開來。"過程中也用了酒神與太陽神作為譬喻，認為心理治療師既是酒神同時也是太陽神的存在，這讓我想起酒神正好也是有二次出生的含意，我們的職責不也是協助個案二次出生嗎？

既然稱為二次出生，也意味著在那之前有某部分的死亡。這讓我想起曾經看過的一句話：有自殺意念的人，真正想要結束的是痛苦，而不是生命。
#自殺與靈魂 #二次出生 #心理諮商
頗有共時性的是，陳俊霖醫師在中元節前夕應心靈工坊的邀情，談了"附身與解離"，在心理分析師的眼中，附身是一種劣勢功能需要有個空間發聲，同時也可能是個案透過這種方式求救、保護自己，其實也就是解離的一種。

在我聽來，兩位教授所談及的範疇都是類似的，我們都難免不喜歡自己的"某些部分"，又或是刻意壓抑與否認，但在我們脆弱無助時，這些部分可能會抓取我們整個注意力，就像是非常緊身的衣服沾黏在我們的皮膚上，難以掙脫。

這也使得我們誤以為我們等於那一件緊身衣，又或者被那件緊身衣所"附體"了，如果太過於黏膩，那種不舒服的感覺，讓我們不得不用非常手段去掙脫掉這件緊身衣。作為酒神與太陽神的象徵，心理治療師協助個案接觸到自己的無意識與集體無意識對現實的我的影響(原來心理師是酒精！)，同時也讓個案更理解自己可以用不同且無需如此殘暴的方式脫掉這件緊身衣。

然而，當緊身衣已經成為皮膚的一部分時，要分離的過程想必是非常不舒服的，且可能需要脫掉一真實的皮，才有辦法真正獲得重生。

從我的次限推運走向月亮處女時，我就抱持著謙卑與編織的心態，重新梳理著我的人生歷練與家族脈絡，並且試著與身體和好、與大自然共存，如今居然真的要走向尾聲了。真是感謝願意被開頭騙進來，還看到這裡的朋友們。

因此，我們自身又有如何走向重生？

除了傾聽自己內在的聲音之外，或許我們不見得要殺死某部分（社會）的自己，而是試著讓某部分的自己一起消融在大自然、大我、更高或超然的存在中，我們不也「沒有我」了？

例如，國際巨星金凱瑞在生命遇到驟變時，他將自己埋身在藝術的美好之中，如此自剖他的內心世界（摘譯）：

※ 生命會選擇了你去做某件事，你可以選擇不做，可以選擇打安全牌，但你人生的志業最終還是會選擇你。(我不想要再挖坑了，但想進一步了解人生志業:代蒙，可以進一步參考＂靈魂密碼：活出個人天賦，實現生命藍圖＂一書)

※ 當我開始大量繪畫的時候，簡直像著了魔，家裡根本沒空間走路，到處都是畫作，變成家具的一部分，我把它們當桌子在上面吃東西。還記得在紐約，某個蕭瑟的冬天清晨，我環顧四週，一瞬間突然覺得沮喪無比，我決定讓色彩走進我的生活。

在太陽處女接連與三王星會合之後，木星將會轉順行，並且在年底走進雙魚，雙魚的意象除了愛眾生、與無意識接觸、連結之外，同時也有消融自我的意味在。透過雙魚的智慧，我們將在服務眾生的過程中看見自己獨特靈魂的光。
#榮格心理學 #心靈工坊成長學苑 #占星療心力
延伸閱讀：
自殺與靈魂：超越死亡禁忌，觸動心靈轉化　詹姆斯．希爾曼著
附身：榮格的比較心靈解剖學　奎格．史蒂芬森著
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#奈良美智 #高美館特展
奈良美智（Yoshitomo Nara）再次冒著疫情，飛來台灣。這回落腳高雄，隔離14天，專注工作，佈完展覽，錄完影片，奈良美智揮一揮衣袖，於22日又瀟灑離境，飛返日本。奈良美智此次為高雄的展覽，自1980年代迄今跨度超過30年的經典創作元素與亮眼新作，包含關渡美術館展出的53件展品，26幅新作，共展出繪畫、素描、攝影、雕塑等79件作品。增加的26 件新作，包括今年初來台佈展隔離期間創作的8件素描作品。1件在今年初完成，也是首次在海外公開的繪畫作品，2019年畫在紙板上的《#山子姊姊》與《#山子妹妹》，還有《#旅行的山子》系列15件攝影作品。他希望藉著畫作，表達對台灣抗疫的鼓舞與信心。

本集主題：「Claudia.W」品牌介紹
　　　　　　　
訪問：王子欣
　　　　
品牌簡歷: Claudia Ｗang 1995出生於法國，育於時尚藝術家庭，對藝術創作、時尚、彩妝造型有濃厚興趣與企圖心。藝術繪畫擅長東方水墨畫運筆、對色彩搭配富有敏感度， 熱愛塗鴉藝術與普普精神。大學畢業於台北實踐服裝設計學系，目前攻讀北科大互動設計碩士。因為熱愛時尚產業，大學期間於ELLE時尚雜誌編輯部擔任實習助理，以及中國鳳凰庄面料公司流行趨勢資訊部、服裝設計部實習。畢業後於Daniel Wong任職服裝設計，參與18ss大秀，發揮對於印花色彩搭配之長項。2018下半年正式成立同名品牌Claudia_.W，並同時經營彩妝造型事業。由於本身對於時尚、美、藝術都很有獨到之處，因此也成為時尚跨領域工作者。除了服裝方面於18年入圍臺北好時尚Ｔop設計師大賽外 ;彩妝方面，於19年擔任Vogue me 4月號實體雜誌單元彩妝造型師，彩妝作品也多次刊登上國外雜誌媒體。6月份以藝術家身份參與台灣印花設計節，於松菸展出印花裝置作品。更於8月份獲得19年台北好時尚TOP設計師 最佳布料應用獎。 2020年8月獲得北港時尚設計競賽亞軍、台北好時尚最佳布料應用獎，並獲得台北時尚週VogueFNO大秀資格。 品牌理念：『生活即是一場藝術』推崇藝術融合時尚，喜歡將衝突感的色彩或主題融合，充滿奇幻、異想的色彩設計，一直是品牌的核心DNA，讓次文化成為時尚焦點。期望台灣人也能將時尚藝術融入生活，即使平常的穿搭，都能充滿個人味道與特色。近期更關注科技環保與時尚之間的關係，透過科技減少時尚產業製造的污染，並解決部分工序繁雜與打樣問題， 2018年更是首度發表線上虛擬服裝秀，沈潛了2年，2020年一樣推出小型的線上虛擬服裝秀，讓遠在不同國家、地域、時差的任何人，都能潛入Claudia Wang的時尚幻境。

經歷:
2020/10 Vogue FNO fashion Week
2020/08 北港服裝設計大賽 亞軍 2020台北好時尚設計比賽 優勝、最佳布料應用獎
2019/12 克萊雅2020AW服裝與圖案設計企劃
2019/11 獲選上海國際時尚樂活設計創意基地 科技印花設計展
2019/10 克萊雅服裝圖案設計-傳承有愛
2019/10/19 伊林 玉富伸展台 大地時尚大賽-佳作
2019/09 蓮芳生計集團董事長客制設計
2019/08 台北top設計師時尚設計大賽 最佳布料應用獎/優選獎
2019/07 高雄客家局 創意客家藍衫設計比賽 潮T組冠軍 上衣組優選、海青盃 兩岸青年服飾設計創業大賽 第三名
2019/06台灣印花設計節 松菸印花裝置展覽 擔任亞東技術學院 類產線3D服裝軟體工作營老師、台北top設計師時尚設計大賽 優選獎
2019/04擔任VogueMe 4月號 彩妝造型師
2019/03入選中港臺天使創投基金-新創品牌展演
2019/01參與首屆台北時裝周 展演主題秀-異材質科技素材場
2018/09品牌 Claudia.W 正式成立、入圍 優選前12強台北top設計師時尚設計比賽 新北市青銀共創服裝設計企劃 領導設計師
2018/05 Nyx歐美彩妝品牌造型比賽前10強
2017/09參與Judy造型師周子娛樂18年年曆拍整體造型, 拍攝林依晨、張睿家等11位藝人年曆形象。
2017/08上海東華時裝周優選作品參展
2017/07 Paris fashion week巴黎時裝周服裝街拍
2017/06『AETHER』雜誌 issue11 造型作品上刊 服裝作品參與DJ-DUSA專輯封面造型,
2016/ M畫廊 繪畫展覽--「妖怪繪卷」 Ｙkk 50週年紀念包包設計比賽 優選
2015/ M畫廊 繪畫展覽
2015/ 台灣泰山娃娃芭比服裝設計比賽 第二名
　　
　　
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《享世樂園》是翁銘邦橫跨繪畫、攝影、後攝影、數位藝術與劇場概念等領域的系列作品。從事繪畫與攝影創作的翁銘邦表示，山水畫在他的創作中佔了相當大的份量，如〈盛夏行旅圖〉，即是由范寬的〈谿山行旅圖〉轉化而得。

翁銘邦自言此系列是以繪畫為靈魂的影像創作。其中可見得中國山水畫的多點透視、立軸構圖，同時又有華麗繽紛的色彩、台灣的風土人情地景，匯合古今，持續逼向數位攝影的極限。

他的全景觀畫面，無意於收攬或探討人類的當代處境與整體文明，純粹是畫面上豐富性與趣味性的考量。至今完成9幅作品的《享世樂園》，翁銘邦企圖以畫面、作品的連續性，打造一個無盡綿延的視覺世界。

對翁銘邦而言，《享世樂園》系列是他內在的個人風景，是對棲地宛如樂園的再現，加入自身的思維、觀照，乃形成無比奇幻、夢想的幸福樣貌，具備著正面的想像。

此外，翁銘邦也認為，《享世樂園》系列的萌發，一部份起源於女兒的誕生。因為女兒喜歡至樂園遊玩，所以也造就他更能帶著愉快、豐饒的目光，塑造出一幅幅充滿歡樂假日時光的攝影作品。


小檔案

翁銘邦，1970 年生於臺灣臺北，英國東倫敦大學藝術創作博士，1995~2004年間旅居英國倫敦與伯明罕等地，現職為中國文化大學傳播學院專任副教授，專注於新媒體影像創作、研究與教學，居住並工作於臺北。

近來作品屢獲國內與國際影像藝術獎項（如 Chromatic Awards 2017 數位後製類首獎，International Photographer of the Year 2015~2016 數位後製類銀獎，Fine Art Photography Awards 2015 數位特效類銅獎，首屆英國 Lumen Prize 國際數位藝術獎優選與2014高雄美術獎特別獎等）及展覽等殊榮，且曾應邀發表於倫敦、伯明罕、牛津、布里斯托、紐約、洛杉磯、巴黎、巴塞爾、阿姆斯特丹、莫斯科、台拉維夫、香港、上海、吉隆坡、澳洲、阿根廷、拉脫維亞及歐美等主要城市，並典藏於國立臺灣美術館、文化部藝術銀行、臺藝大有章藝術博物館、英國倫敦攝影家協會、英國皇家攝影學會等。

2018年受邀為法國巴黎國際知名 YellowKorner當代美術攝影藝廊藝術家，作品陸續在該藝廊各國主要城市的據點展出；並於 2019 年獲英國倫敦ArtLink Creatives國際藝術策展顧問公司之邀成為ArtLink的代理藝術家，以及美國加州Daylighted國際藝 術策展平台的藝術家等。

@一影像

＃水墨＃梁震眀＃水墨畫家

鄰近靳珩公園，位於立霧溪與魯丹溪交會處的印第安酋長石，是花蓮太魯閣國家公園相當著名的地質景觀，因視角的錯覺，組構出有如人臉造型的奇石群，矗立在溪畔上，讓人忍不住想多看一眼，好見識這巧奪天工般的自然奇觀。

如何將所畫題材營造出有如太魯閣峽谷那般的視覺強度？藉由台灣各地搜羅的奇石圖像，以小觀大，用貼近藝術的手法，假像虛構的方式，將其搬到近雲山巔處，當想像的連結空間變大，方寸之間的畫面也就有更為大器的可能。

【實景‧虛境‧真山水 梁震明的墨色台灣】 國立成功大學歷史系所美術史教授 蕭瓊瑞

梁震明的細筆山水，是戰後台灣水墨現代化運動中，從材料學與物象學一路切入而獲得具體成果的代表性藝術家。

1971年次的梁震明，並未經歷台灣1960年代的抽象水墨風潮，也未能得見1970年代的鄉土運動，在他稍稍懂事的年代，台灣已經進入1980年代的美術館時代，而在裝置、數位，乃至行動多元蹦發的90年代，他卻獨獨選擇了以看似最為傳統的毛筆水墨，作為創作的工具和媒材；這似乎和他作為「外省第二代」、且出生成長於被視為具有濃厚「眷村」特質的高雄岡山，有著一定的關聯，而在學校擔任工友、獨身撫養三個小孩的父親，更是引導、支撐他孤獨奮鬥、精勵上進的重要支柱與力量。

國小畢業，在韓永、李春祈等老師的啟蒙下學習水墨畫，一路從國中美術班、高中美術班，在1991年考入校區仍在蘆州的國立藝術學院（今國立台北藝術大學）美術系，師事李義弘(1941-)與林章湖(1955-)，也正式展開了他水墨繪畫的探研之旅。

1993年，他以碎筆萬點的手法，表現台北草山、九份地方的芒草，呈顯一種荒蕪與孤獨的美感，開始了他「水墨台灣」的系列創作，也引起了眾人的注目。1994年，他除了獲得該系系展水墨組第一名的成績，同時也獲得了馬壽華獎學金，及張穀年獎學金第一名；隔年（1995），再獲張穀年獎學金第一名，及劉延濤獎學金第一名，這些傳統水墨畫家的獎學金頒給，在在肯定了梁震明在傳統水墨方面的用心與成果。不過，如果更深入地考察梁震明在這段學習過程的面向，便可以發現他自我要求的廣度與深度，包括在中國美術史、佛教史、器物史，及日本膠彩畫的多方學習；1996年，更獲得慈濟藝術類美術理論組的獎學金。

這一切的努力與成績，反映了這位年輕的水墨研習者，顯然不願拘限於傳統水墨的窠臼，意圖尋找出另一條更為寬廣而深入的路徑。他曾說：「倘若我們將水墨視為單純的一種材質，那麼其屬性是否該被深入的探討。因為我們對這些材質的認知，經常來自傳統的規範，而較少本我的分析、推理與判斷。當我們對眼前的任何事都視為理所當然的時候，缺乏進一步的思辨，就會矇蔽自我的智慧，如果僅是相信前人的體略，卻沒有去思索其背後所隱藏的道理，蕭規曹隨般的跟隨其步伐，必然無法超越他們的成就，提出更有開創性的見解。」

在大學時期全方位的學習，以及短暫的中學教職後，1999年，梁震明重回母校，進入美術創作研究所進修，並在李義弘老師的指導下，展開「墨與黑」的材料研究，完成〈墨與黑的創作思辨〉碩士論文。

這個階段的研究，從材料學的角度出發，梁震明徹底地分析了中國水墨的墨色與西方繪畫顏料中的黑色，兩者間的不同。除了材料屬性上，墨所含的碳粒較細，色調固定，黑則較粗，亦會因成分不同而有不同的色調變化；更指出：在前人的使用觀念上，墨是重寫，黑則是畫，因此，在東方的藝術發展中，才發展出「書畫同源」的概念。(註1）

這種看似純粹材料學的研究角度，其實正是梁震明徹底掌握創作材料，同時也為自我畫類定位的一種深沈反省；因此，他說：「墨屬於廣義的黑色顏料，無論作品中是否用墨，現今的情況下依然會被視為水墨畫，如果創作者未曾提示的話，況且『近墨者黑』，所以也無所謂畫類定位的問題；而畫類的定位，只是方便溝通的一種狹隘界定，而這種界定不盡然等於創作者認知的界定，唯有模糊或是衝撞這種材料界定，才能獲得無限的可能。」（註2）

又說：「水墨的傳統是一種時空背景下逐漸發展而成的，但如何讓充滿西式視覺經驗的當下觀眾，重新認識水墨的當代價值，這樣的採用，正是覺醒下的選擇。」（註3）

2002年，他就以「墨與黑的創作思辨」為題，推出研究所畢業展於台北羲之堂。那些綿密素樸的墨
點，烘染出層次豐富、形式多變的台灣山脈、岩石，擺脫中國古老的山水意象，直接從台灣的自然切入，那是親眼所見、心中有感，沈澱為生命情緒的一部份。而畫面豐富的層次，正是他研究所時期媒材研究的具體成果，為了對各種知名古墨的掌握，他曾走訪中國蘇州姜思序堂、周庄、上海、 _杭州、安徽歙縣胡開文墨廠及黃山等地，更自製各種不同材料的墨條，包括：石榴、檳榔心、杜仲皮、燈草、桐油……等，逐一試用，甚至製成色票，相互比對。

研究所的畢業展，也引發了藝評界的注目，以「層層染點．古墨新研的樸實路線」（註4）來形容他。

梁震明，畫如其人，人如其畫，那種樸實、綿密的風格，也展現在他為學求藝的生活態度上。研究所畢業後，在原有論文的基礎上，全力深入、持續探研。2003年，他又完成並發表〈日製液態墨的材質特性及使用方法之研究〉一文（註5），這是將當時台灣市售的33種日製液態墨進行試用及比較，得出多點特性，並發現指出：日本廠商所製的液態墨，主要是適合日本書畫界的創作觀點而生產的；因此，使用者的認知與選擇，才是主導這些墨品材質特性的關鍵因素。

歷經五年的研究、整理與擴展，終於完成《墨色的真相》一書，由國立編譯館補助出版。其中涵蓋的主題，包括：歷代畫家使用墨與黑及相關材料之種類說明、墨與黑之相關著作介紹、固態墨、液態墨及黑色顏料的製作工序及流程比較、中國歷代製作固態墨的流程分析與介紹、歷代文獻關於墨與黑之製作流程及概念的探討、歷代畫家使用墨與黑之方式及邏輯的比較、材質特性與使用方法及概念之關係研究等。《墨色的真相》可說是當代畫壇在材料研究上最具典範性的成果。

梁震明是以學術研究的態度面對創作，一如民初畫家黃賓虹的耗費巨大精力整理歷代畫論，彙編成《歷代畫論叢書》，也增美自我的創作。

梁震明的研究精神也展現在他獲得國藝會補助、與廣興紙寮合作撰成的〈中性紙材開發與成效研究〉（2005），及走訪全台三百多座廟宇，拍攝近萬張照片的「台灣寺廟龍柱造型之研究」（2006-2010）；後者於2010年，由國立編譯館補助出版。

回到創作本身，2002年北藝研究所畢業後的這段時間，顯然是一個重整、深入整備的階段。2004年任教台中僑光技術學院，往返途中，經常前往苗栗後龍外埔拍攝海邊石滬；而在一個偶然機緣下，更接下了全台茶山之旅的拍攝工作，走遍了梅山龍眼林、鹿谷大崙山、大禹嶺、梨山，和嘉義石桌等地，對台灣的山林有了更深入的觀察、感受與瞭解。

事實上，2001年春天，梁震明就有機會首登大陸黃山，這是多少水墨畫家歌詠描繪的聖山，古松、奇峰、雲霧……，自然也給予梁震明極大的震撼，但他說：「雖有千景可選、奇石可畫，但無法長居，總有著霧裡看花難以動筆的感覺。」

2007年，梁震明轉任國立台南藝術大學藝術史系教職，也將生活重心轉回創作本身。2009年的「黑色的覺醒」個展，正是這個階段創作的一次總結。〈綠草黑世界〉（1995-2009）、〈黑葉下的台南孔廟〉(2008)、〈黃昏下的黑山〉（2009）、〈聳立在一片山巒的黑岩〉（2009），都是這次展出的幾件重要作品；在較為逼近的構圖取景中，呈顯樹葉、草叢、山岩、雲氣的豐美質感。這是梁震明在大量的照片分析下，捕捉現場的感受，以格物致情的方式所逼視出來的一種幽情，純粹畫景，空無一人，帶著一份深沈的孤寂與寧靜。

2010年，長期以來的精神支柱，父親病逝於高雄榮總，讓梁震明對生命有了新的體悟。經歷一段「無名虛相」的抽象水墨山水創作，撫平了失怙的心靈創傷；2012年的「海景」系列，重新回到細筆寫實水墨的路向，但畫面大為開朗，甚至加入了較多的色彩運用。

原來自2008年以來，梁震明便被澎湖特殊的自然景緻所吸引，節理分明的玄武岩，加上海天一色的開闊氣象、孤立海隅的小島、白色的沙灘…….；此後，他多次前往澎湖探訪，走遍七美、望安、桶盤，及目斗嶼、姑婆嶼……這些南北列島，也重訪宜蘭頭城、龜山島、屏東墾丁、旭海，及貢寮龍洞、南澳粉鳥林，和台中梧棲高美溼地，更不必提及自學生時代就經常和師長前往的北海岸淡水、石門麟山鼻、老梅等地。此外，也前往日本沖繩座間味島、古宇利島、瀨底島及石垣等地，比較不同文化下的自然景觀。

梁震明的創作取景，完全是以一種幾近物象學研究的科學手法，現場寫生不是他的創作形態，部份的速寫只在記錄某些必要的重點。遍遊這些景點，甚至重複多次的前往，主要是在收集相關的圖像和豐富自我的體驗，景色的記錄則以攝影取代，每次的前往，都經事先周詳的規劃，即使是相同的地點，也會有不同的路線和時段，因此景緻總是不同，或是晴、陰、冬、夏，或是晨起、夕歸，或是徒步、搭船，甚至動用空拍機等。梁震明的創作，帶著高度學術研究的心情，雖寫實景，但回到畫室，則是進行周密的草稿模擬及意象推演，反覆推敲，不斷思辨，務求達於虛凌、超越的意境。
2011年及12年的「海景意象」展，梁震明在以往以墨色為主體的畫面中，加入大片的色彩，這些色彩帶著稍顯誇張、鮮艷的高彩度，反而呈現了某種夢幻的意境；某些作品甚至直接以金色表出，或是紙張的金，或是顏料的金，但當轉化成物象的金，反而虛幻成視覺情感的金，那是一種純粹心象的金，實景、虛境，才是梁震明心中追求的真山水。

2014年展開的「千岩萬語」系列，回到山岩海石的細部描繪，積細成多，氣象浩瀚，以千岩寄寓萬語，是藝術家應物抒懷的本心，部份畫面加入細線的方格分割，益增非實境的畫面效果。

2015、16年的近作，在尺幅上更為開闊，他辭 _教職，專職創作，畫面的細筆寫石(寫實)，幾如僧人的抄經，一筆一念、一劃一覺，梁震明的作品，也因此呈顯接近宗教般的凝定與寧靜。

中國近千年的水墨繪事，在近代而有「學」「藝」分途的隱憂，但在梁震明的身上，我們喜見高度學術研究的精神，如何貫穿、滲透在他的創作之中。戰後1960年代啟動「現代水墨」運動，曾以「革中鋒的命」的自動性技法，翻轉民初或日治以來，以寫實「改革」寫意的路徑，開展出一片暢意淋漓的抽象風潮，中經幾近照相寫實的鄉土水墨，落入寫景不寫情的機械操作。1970年代出生的梁震明，從台灣制式的學院體制中，一路走來，在深沈、穩健的學術操作中，重建了古典水墨的結構與質地，卻同時展現了現代宏觀與微觀兼具、客觀寫實與主觀虛境並呈的絕妙視野，堅實、蒼茫中，透露著一股孤獨、傲然的真氣。那是梁震明特有的墨色台灣、現代山水，隱隱承續著自余承堯(1898-1993 )、夏一夫(1925-2016)一路以降的密實水墨傳統，也是李義弘開創的材料學與物象學研究最耀眼的傳人。

註釋：

1 梁震明〈黑色的覺醒――梁震明創作自述〉，《藝術收藏＋設計》25期，頁132，台北：藝術家出版社，2009。10。
2 同上註，頁133。
3 同上註。
4 參見黃寶萍〈梁震明：層層染點．古墨新研的樸實路線〉，《藝術家》326期，頁236-239，台北：藝術家出版社，2002.7。
5 收入《中國水墨藝術之回顧與前瞻：2003研究生學術研討會論文集》，頁172-183。

【梁震明簡歷】

國立台北藝術大學美術創作研究所畢業。

曾任國立台南藝術大學藝術史系及東海大學美術學系講師。

個展12次，國內外聯展30餘次。

作品曾在香港蘇富比、羅芙奧及沐春堂拍賣成交。

著作「墨色的真相」與「台灣寺廟龍柱造型之研究」獲國立編譯館出版刊行。

現為羲之堂代理之專職水墨畫家。

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