【家訪謝誌豪】
週日在謝兄家度過一個歡愉又充滿驚喜的下午。
相信社團裏不少前輩先進已早小弟一步朝聖過,不然也應該跟小弟一樣,被謝兄三不五時分享的影音毒的不要不要的。然而謝兄有錄音室工作背景,不禁讓人懷疑這些錄音有經過"專業"處理,所以決定勇闖毒窟,一探虛實。
之前主人的器材,除了Bergmann黑膠唱盤外,幾乎是全套Burmester旗艦吧!這次家訪,主人做了些許變動:B100旗艦換成了鑽石高音的Tidal Contriva,喇叭線也做了調整,告別Siltech 770往含銀量更高的M60邁進。
為什麼要換叭?無疑的,這是大家心裡一定會浮現的問題!
都坐擁B牌旗艦,還有什麼不滿足的?
小弟也好奇,所以一定要追問。
謝兄和B100相處1年,B牌的獨特箱音非常美,但也因為太美了,美得讓謝兄覺得有點不夠真實,在偶然機緣下見識到Tidal的真實感,讓他燃起移情別戀的念頭。這差異,我想不僅是高低頻表現方式的不同,聲音的擴散能力也是讓主人事後更肯定換叭的決定是對的,這部分容稍後表。
這也難怪!謝兄從小受的是札實的音樂教育,現在又置身事音樂工作領域(有興趣請Google:謝誌豪 江蕙 李婭莎),對聲音的真實性追求的堅持,肯定超乎常人,而這份堅持,正忠實的呈現在我今天"看到的畫面"裏。
聊聊空間吧!這是位於1樓生活視聽兩用的開放式客廳,當初並沒有考量到兩聲道需求,所以器材背後那面電視牆,其實是整片空腔的裝潢假牆。依照過往家訪經驗,這種假牆對聲音的傷害非常大,除了低頻反射不足外,根本就是一個大型的低頻陷阱,此外,聽人聲還容易出現疊影的多重結像錯覺…,應該是大部分燒友的肉中刺。不過謝兄巧妙的用擴散板與佈滿假牆的小黑點調音道具,排除掉這面牆在聽感上的明顯缺陷。主人也拒絕使用地毯吸音(據說會吸掉太多細節),而是用一樣的調音道具像桃花陣般的排列在地板上,效果應該相當顯著,因為這系統呈現的細節紋理相當豐富,低頻也幾乎貼地鋪陳,沒有沉不下去的疑慮。
小弟不玩LP,所以自備了幾張常聽的CD以便快速熟悉主人的系統…
先聽Joan Baez的1977年精選輯The Best Of。會聽這張,最主要是去年在eardoctor家被這專輯的LP版毒過,歌者演唱時的情感投入遠勝1988年鬥牛場,節奏更為緩慢,但心情也更為沈重,讓人久久不能自拔。eardoctor系統唱出的Joan Baez,帶著濃厚的尾韻,好似有道不盡的心酸,感情表現相當"傳神",聽完後會讓人抓狂似的想要知道歌者在這首歌裡深藏的所有秘密。
不過謝兄系統唱出來的Diamond and Rust,歌聲雖然沒有特殊的韻味,卻十分自然,沒有絲毫假飾,直覺就是親耳聽到真人在眼前演唱,沒有過多的延伸,沒有過厚的鼻音,一切就是那麼的真實。和eardoctor的系統相比,絕非孰優孰劣,都是非常高水準的表現,只不過天秤兩端"真"與"美"的比重不同罷了。
再聽Hell Freezes Over / Eagles - Hotel California,雖然沒有小弟追求到似乎有點過頭的Live感,但是舞台樂器排列和台下聽眾,層次分明;鼓聲形體量感恰如其分,不會有過量的壓迫感;主唱雖然沒有我曾幻想的上半身形體感,但頭部形體明確,比例適中,又是一種非常真實的感覺…
接著,我心眼開始壞了!這麼高檔的系統,怎麼可以只聽人聲。這時,小弟拿出常因動態太大,以致於常被誤認錄音失真的 Rhapsodies / Stokowski - 俗稱「白頭佬」,準備用顯微鏡來徹底檢視這套系統。
沒想到CD才唱一半,謝兄按捺不住了...
你有聽過LP版的嗎?
我心裏納悶:這張的LP版我在幾個地方聽過,表現一向都不如CD...
沒想到謝兄在莫爾道河瀑布段來臨之前,直接卡掉我的CD播放,換上LP版。
哇靠!指揮席的聽感立即浮現,如蜜蜂群般嗡嗡嗡的弦樂群,這正是我在音樂聽常有的感受,非常立體的舞台感。還記得當時我抽空上了廁所,竟然連在廁所內都聽到清楚的細節。真訝異60年前的錄音,竟能將現場如此逼真重現;
接下來,CD聽不下去了,現場完全被LP接管…
謝兄拿出不少壓箱寶,雖然我熟悉的不多,但卻總能吸引我全神貫注的注意演奏的所有細節,左手彈琴、右手拉弓、馬毛擦弦、琴腔共鳴…,我倆不時對這些逼真的錄音嘖嘖稱奇。
其中最令我震撼的,莫過於Janis這張35mm錄音...
謝兄特別說明這是使用35mm影片底片進行母帶錄音的Mercury Living Presence系列,頻寬特大,因此錄音效果更顯逼真。
我知道Janis的手勁很足,他的錄音節奏感特別強烈,不過這張白版(For broadcast only, not for sell)錄音,扣扣扣的琴鍵敲擊感,實在爽度破表,更厲害的是我一直期待錄音重播能聽到琴槌敲打三弦的細節,竟然俯拾皆是,這…真實到有點過份了,簡直像自己把頭伸進琴台裏觀看琴槌敲擊鋼弦般的身歷其境,猶記我是站著聆聽這一幕的,因為當時驚喜萬分,實在Hi到坐不下來(沒有人坐著喊安可的)。此時若從門外走過,真的會以為裏面有人在彈鋼琴,太逼真了。
另外一張讓我驚喜萬分的是Rabin的mono錄音...
mono錄音在兩聲道系統會怎樣呈現,相信大部份的人都有點陌生。提琴結像在中間偏左,琴聲的流暢感,音色、細節…坐在皇帝位上的我不禁自問:這和Stereo錄音究竟有哪裏不同?
和Stereo錄音最明顯可辨的差異,各位一定料想不到....
前面忘記先帶到謝兄系統有一個很大的特色:
皇帝位很大!
皇帝位很大!
皇帝位很大!
怎麼說呢?
當你在耹聽的時候,不管頭往左往右晃,舞台裏結像的位置不太會偏移;
如果你不信邪,起身走到右側喇叭的外側,你會發現結像還是釘在兩喇叭中間…
神奇吧!
所以謝兄才提到:這喇叭和以前那對除了音色差異外,我坐在喇叭正前方的聽感也完全不同。現在完全不會覺得聲音被封在音箱裏,聲音是跳脫出來的…
以上是Stereo錄音的聽感。這也是謝兄換上Tidal,在近場聆聽的條件下,體會出這對喇叭的擴散能力出類拔粹的鐵証。
回到那張Rabin的Mono錄音。這時小弟突然興起,再次走到喇叭的外側...
這下有趣了!
在mono錄音中,當人不在皇帝位時,聲音就無法釘在舞台中間,而是完全跑回音箱裏。
小弟近期對喇叭擺位如何讓皇帝位變大正好有點心得,但Stereo和mono錄音竟然會在這裏出現截然不同的差異,實在讓人驚訝。
這時,突然湧出一個想法:莫非一般人的兩聲道系統,在沒完全調整到位時,像兩個不同的mono聲道一起唱歌一樣,左右喇叭是各唱各的,雖然還是聽得到中間結像,但聲音其實是封在音箱裏的。
完全調整到位的喇叭,才能真正顯現Stereo的完整音場。
就這樣hi了一個下午,謝兄意猶未盡,使出最後法寶: TAPE
現場用LP播放,錄了一段大歐的雙提琴演奏曲,然後馬上TAPE播出。
TAPE的聲音小弟非常熟悉,因為從小到大就是聽這個長大。但是它跟LP的差異到底在那,我想大家都好奇。
今天聽到的心得是:幾乎一樣的流暢感,換句話說,類比的連續性應該是完全保留住了,但是也有不如LP的地方,首先是TAPE本身的底噪不小,再來可能是TAPE的頻寬較小,所以聲音的通透感、動態可能只有LP的7、8成,因此相形之下,這錄音輕鬆聽是不錯的選擇,但若要聚精會神的聽一個小時,可能會常常分心。LP能讓我清楚觀察到表演者的神情,TAPE像戴了太陽眼鏡的美女,我無法看到她的眼神,只好眼睛亂飄…
臨別時,有幸聽到Solti指揮的這張Venice專輯首刻版。
這張錄音,在小弟的聆聽經驗中,弦樂群波瀾壯碩,簡直是弦樂海,而最後的兩首,動態大到會讓你不由自主的趨前把聲音關小。
在謝兄這,聽這張可不輕鬆,
我說的不是聲音不輕鬆,
而是這首刻版片況不是很好,所以剛開始聽,聲音悶悶的,高音上不去,低音也下不來…
謝兄也察覺到了,馬上起身拿去再洗一次。
洗完再播,好多了。但還是跟我熟悉的聲音有一段差距。不過謝兄聽感真的好,他也馬上察覺不對勁,走到唱放前調整一下阻抗和增益,神奇的,音場立馬拉高變寬,高頻明亮許多,錄音現場的底噪也清晰浮現,熟悉的現場爆棚感完全回來了,心情再度亢奮,讚啦!
這系統雖沒有大系統如音樂大廳的宏偉氣勢,但劇場該有的立體感可說毫不含糊。因此,最後小弟向謝兄期許一個願望:趕快弄到"女巫佳釀Witch's Brew",我一定會要求整張從頭聽到最後一首!
同時也有10000部Youtube影片,追蹤數超過2,910的網紅コバにゃんチャンネル,也在其Youtube影片中提到,...
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{{ 伍. 談談樂手教練實務經驗 }}_20
接續上一週聊到的『新光三越第六屆不插電音樂大賽』,決賽前的四組、每組十個小時的樂團培訓過程。這個賽制特別的地方,就在於主辦方提供給每一組入圍決賽的隊伍,有一位評審做為專任教練,用十個小時的時間,來整備兩首全新的曲目,參加在八月下旬的最後決賽。
當然,每一位評審教練對於各組的十個小時要如何運用、以及在什麼場域進行訓練,完全依照評審的自由意志。我負責的四組隊伍、八首新作的整合訓練,我所規劃的進度是:
第一次培訓 3小時 (各組獨立)~整理第一首曲目內容,包括編曲大方向與演唱、演出方式調整。
(隔幾天)
第二次培訓 3小時 (各組獨立)~整理第二首曲目內容,包括編曲大方向與演唱、演出方式調整。
(隔幾天)
第三次培訓 3小時 (各組獨立)~確認兩首曲目所有音樂細節與執行改進,確認整體演出狀態。
(隔幾天)
第四次培訓 1x4小時 (四組聯合)~ 最後一次的培訓執行方式,會像是『賽前觀摩』,各組將會在其他三組的面前執行完整的演出內容;同時,我也會邀請其他的業界友人擔任評審的角色,針對各組的呈現狀況提出不同觀點的改進建議。
首先,訓練的場地,毫無疑問地,一定是在強力錄音室的羽房。其次,在我的想法裡,前面的兩次三個小時,我們可以針對參賽隊伍已經有的音樂樣貌,分別做深入、細緻的音樂調整;但因為參賽者都還不是職業級別的音樂工作者,所以我們會需要留下第三次的三個小時,來檢查先前的調整動作,樂團們可以執行到的完整度,如果在第三次的查驗過程中,發現確實有難以突破的障礙,我們還可以就現實狀況做難易程度的調整。
而最重要的一個回合,當然是第四次四組聯合培訓的四個小時!在這個回合中,每組參賽隊伍都會在其他三組的面前,做一次類似『成果發表』的呈現,而整個回合的執行要點,更像是一次觀摩性質的『會前賽』,每一個隊伍都可以知道其他的隊伍做了哪些的準備,以及自己的強項與弱項各在哪裡,而能在最後有限的時間內,盡力去做必要的調整,來為決賽的表現,做出最好的準備。
由於前三次的訓練,都是我以『個人主觀』的音樂感知,去分別調整每一組、每一首曲目的呈現樣貌,但在現實的決賽過程中,將會有其他五位的評審,以『各自的主觀所形成的相對客觀』,來檢視每一個曲目的表現。為了求得『更客觀』的視野,所以在第四回合,我都會邀請其他的業界友人來扮演評審評議的角色;我們並不會對於這四組做出成績的排序,但我們會在每一組呈現結束的當下,立刻對於剛剛的表現提出每位評審的看法。在這一屆的第四回合,我非常開心能邀請到『佛跳牆』的三位樂手:鼓手 – 江尚謙先生、貝斯手 – 林奧迪先生,與吉他手 – 黃宣銘先生,來提供他們自身對於各組在於音樂處理、演出狀況、器材應用,以及各種『一定要說』的面向上,許多非常寶貴的意見與建議 --- 在八月二十四號的晚上,很多時候,我都暗自覺得:『啊!如果當時年輕的我,能夠聽到這些評審的意見,該有多好……』。
在我提筆寫下這個活動紀錄的時間點,那『四十個小時』,已經像是飛的一般匆匆倏忽而過;而決賽最後的結果,還是一個『明天的未知數』。我想,正好是一個等待現實前的空檔,可以把一些我所觀察到的『共同症狀』做一點簡單的描述。
[二. 樂手教練的實務筆記]_07
1. 監聽的調整~ 第一個永遠會是監聽的調整!對於地板式監聽喇叭的『音量控制』,我真的覺得會是每一位有志於音樂工作的樂手都應該認真看待的。說到這一點,我必須岔題去說另外一個『事件』,因為這個事件中所發生的一些討論,剛好可以為這一次的專頁文章做一個『相對客觀』的對照。
這一週的一天下午,我應『中子音樂』之邀,去擔任了『流行音樂國際交流工作坊 - TLCMC 2018 演唱會音響設計大師班』的一個工作角色:在這個活動的第三天下午,主講人 - Kenneth Pooch 先生 (https://twitter.com/tourpooch ,世界級的現場音控工程師,你可能知道他現在正在負責 Justin Bieber 的巡迴演唱會) 的講座主題,正好是『演唱會現場的木吉他收音手法』,因此,我實際的工作角色就是一位現場彈著木吉他、用各種拾音器組合、DI Box、木吉他 Preamp 提供聲音來源,讓 Kenneth Pooch 先生可以在『外場』實際講解各種聲音調整方式的『活道具』(關於這個活動,我的廠商友人蔡自強先生在當天有一則臉書動態的文章紀錄,可以窺看整個工作過程的紀實: https://www.facebook.com/faridaguitar/posts/1880083525363598?__tn__=-R )。
很有趣的是, Kenneth Pooch 先生提到了他所面對的許多樂團、樂手 (看來~這是一個屬於跨國際的議題),會希望地板監聽聽起來『就要像是專輯錄製的那樣飽滿、完整』--- 而那是不可能的!
當然是不可能的!光從物理條件來說就做不到。地板監聽與一般的錄音室監聽喇叭,在頻率響應上就有所差異,更不用說地板監聽是一個 Mono 單聲道的設計,怎麼可能重現『專輯錄製』時的 Stereo 立體聲道的音樂資訊?我想,透過與 Kenneth Pooch 先生的對談討論可以印證:如果你希望在一個不算太大的『箱體』裡要把整個樂團都塞進去,什麼都要聽得到、而且你的聲音還要是最大聲,最後的結果,恐怕是一切都糟透了。
『監聽』的意涵,只是在『提醒』你 --- 現在其他的樂手都進行到哪兒了!我的看法是這樣的:你『需要知道你在彈什麼、唱什麼』的這回事兒,是發生在你自己練習的時候,而進行到與其他樂手團練、或是已經要演出的階段時,你需要的是在那個『箱體』裡聽到足以提示你的樂器資訊即可 --- 很多時候,你很可能只需要送鼓手的 Hi-hat、適量的 Bass 與適量的 Vocal 就可以工作了,你其實還有很多『耳朵』的空間可以去聽『整個舞台』發出的聲音總合,更重要的是,你一定有很多的空間,可以去與你的樂手們進行眼神的交流 --- 不論你相不相信,台下的觀眾要聽到、看到的是你們『共同合作』的結果,而不是單單只想聽你這個人所負責的角色。
但我大概可以理解為什麼你需要聽自己的音量到那麼大 --- 其實只是一種不安全感在作祟。要克服這種心裡障礙,其實真的沒有別的神奇法門:就是在家裡跟著節拍器,把你要彈奏的部份練到滾瓜爛熟吧!而對於 Vocal 來說,如果你 (妳) 不希望永遠都是你 (妳) 的監聽在 Feedback,那麼,請去鍛鍊正確的發聲方式,與熟記你 (妳) 要演唱的每一個字的共鳴位置!
2. 節拍器~ 在這個培訓過程的前兩次、共六個小時,我都會把 Click 送到地板監聽,讓所有人都可以清楚聽到,然後把演奏結果錄製下來,以便隊伍們可以去進行必要的校正。但從第三回合開始,我就會要求只有鼓手聽 Click,而其他樂手要想辦法用聽覺、或視覺去跟上整個樂團的速度。這裡會很講究:
a. 鼓手會不會很聰明地在自己沒有演奏的樂段,用很音樂性的方式去提示其他樂手現在的音樂速度。
b. 所有的樂手們有沒有一種『共同的呼吸速率』。
這已經沒有任何工具書、教條可以協助、改善你們之間的默契了,你只能不斷要求自己有足夠的 Click 訓練,從而鍛鍊出來的『內在時間感』--- 而且還能控制你的肌肉,在瞬間不及反應的時間裡,能夠做出該有的樂器操作力度。
有趣的是 … 這個專頁已經架設一年多,而關於 Click 的討論,篇幅好像也沒有少過;但年輕的樂手走進強力羽房時,這個世界似乎沒有改變多少 ……
一定是我還需要努力!
3. 音樂性~ 這其實牽涉到許多個人式的美感,似乎沒有一錘定音的解答。但參與了這次音樂整備的年輕音樂人應該會發現,我最常做的簡易調整,就是不改變你的和絃,但改變『和絃被處理』的時間點:往前半拍、一拍,或是往後移;其次就是試著去錯開所有樂器的聲部 (把位),去完成一種『織地』的組成。其實這都不是什麼高深的手法,但年輕音樂人往往會只是用『直覺』去處理音樂的『內在構成』,比較少主動而冷靜地去與樂手們交換『音樂織地輕重』的想法與嚐試。
如果真的有興趣想增進自己在音樂組織上的想法,你真的可以找幾首你覺得是經典的作品,認真分析、拷貝一下別人的巧思;或者~ 這個專頁在半年多前寫了一些關於『音樂構成』的、比較枯燥的文章,也許可以給你一些不同的進入觀念。
而音樂,一直是『感性』與『理性』的交織,缺一不可。很多時候,你真的只是需要用一些『理性』去控制你的『感性』。
4. 木吉他訊號放大器材的選擇~ 由於是『不插電』音樂表現形式,所以木吉他幾乎是所有樂器類型的首選;但就像『音響設計大師班』的 Kenneth Pooch 先生所言:即使是世界知名的藝人或樂團、樂手,真的會讓他覺得『好聽』的木吉他訊號放大的人,其實並不多,而大多數人的樂器聲音,其實是『蠻可怕的』!
當然,如果你希望你的木吉他聽起『像是一把木吉他』,那麼,解決的源頭一定是從你手上的那把琴開始。不過,我根本不是在說你應該要有一把貴到什麼程度的琴 --- 就像 Kenneth Pooch 先生的經驗談,我也看過、聽過許多名貴的廠牌名琴,在聽自然原音的時候很優秀,但一旦使用了『拾音器』系統之後,真的變得『蠻可怕』的。所以,我其實更在意的是你所選用的拾音器與 DI Box 的組合。
我一直都是使用『法麗達』這個品牌的木吉他做為現場演出的樂器, Kenneth Pooch 先生問我選擇的原因,答案是:『首先,這是我們臺灣自己的品牌;其次,她很穩定。我曾經上一週還在杜拜沙漠四十幾度的高溫戶外進行 Sound Check 與彩排,隔週就在北京零下好幾度的場館進行排練,而她的琴頸完全沒有彎曲』。
但她所搭配的 Fishman 拾音器是 Piezo 式與 Mini Mic 式混合的雙系統 --- 甚至連 Kenneth Pooch 先生都覺得只使用 Piezo 式的收音系統,他也很難把琴音調整得好聽。
然而,這還不是我覺得最嚴重的問題。我注意到許多的參賽者在上到舞台之後,並沒有自備自己的 AG Preamp/DI,而是將吉他訊號直接接進音響廠商所準備的共用標準型 DI Box --- 也就是它無法提供任何的音色修整,只能將『非平衡』訊號轉變成『平衡』訊號,做為現場訊號放大的來源。如果那一場的演出或比賽,所有人都是使用這一顆廠商的 DI Box,那麼,情形只會是我們要忍受整個過程中大家都一樣難聽的音色;但萬一,有人帶了自備的器材,能夠提供音色修整的功能,那麼~ 在這種 A、B test 的情況下,他會有非常高的機率把琴音調整得比你好聽很多。
如果你是一個比賽的評審,你的先決判斷會是什麼?
所以,只要是參加我的整備訓練,我第一件事就是要求吉他手一定要自備有足夠功能的 Preamp/DI Box,來讓自己的音色至少立於不敗之地。而近代的這類型器材,已經由原本比較單純的『等化器』(EQ) 調整音色的方式,進化到附加『IR』(Impulse Response, 脈沖響應) 功能,讓你手上的吉他可以發出『類近』著名廠牌特定型號的吉他,在特定型號麥克風下真實收音的聲音樣貌 --- 而我們所說的器材並不是遙不可及的天價,像是 Fishman Aura 系列,或是 Zoom A3 系列的木吉他訊號放大產品,都可以提供到這樣的條件。
如果你還不太熟悉『IR』這個聲音技術,我覺得你應該要在網路上好好搜尋一下這個相關資訊,它應該會是下一個十年在音訊工程上最重要的技術,而且已經廣泛應用到許多樂器模擬與場景模擬的作品上了 (http://a85115230.pixnet.net/blog/post/390104224-%E9%9B%95%E5%A1%91%E6%9B%B4%E7%9C%9F%E5%AF%A6%E8%B2%BC%E5%88%87%E7%9A%84%E7%A9%BA%E9%96%93%E5%8F%96%E6%A8%A3%E9%97%9C%E9%8D%B5%EF%BC%8Dimpulse-respons )。
5. 上台的緊張感~ 最有趣的是:其實只是在強力的一個四組觀摩演出訓練,每一組在呈現時,都比第三回合結束時要來得『失常』一些,因為:你只有一次的機會,而且你有得失心。
這大概是第四回合中第二有意義的事了 --- 最有意義的事當然是那三位已經拿過金曲獎最佳樂團、最佳編曲的評審所給出的建議!這『第二有意義』的事就是:你會發現不是只有你一個人在緊張,是所有人都在緊張!
那不是很棒嗎!你就知道你不是孤單的一個人了!在比賽的那一天,每一個踏上舞台的人 --- 都。很。緊。張。那麼~ 還有什麼好怕的呢?
如果你的大腦只能運作『緊張』這件事,那麼,你就很容易錯失『享受這個舞台』的美好機會。我覺得,只要是比賽就會有輸贏,獎項究竟是誰能拿到,其實本來就不是我們可以自己決定的;如果很可惜的,你並沒有拿到獎項,而且你也沒有享受到這個舞台,那 … 不是輸了兩次嗎?
所以~ 不論是對 D Power、對『佛跳牆』,對這些年輕的隊伍,我真的只有最後的一句話:『上台,就要玩兒得開心!』。
因為,你該努力的,你已經努力了。
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四十個小時真的一眨眼就過去了,我看著四個隊伍漸漸把兩首創作整合成足以呈現給觀眾的作品;然後明天他們會盡力在舞台上做出最好的表現,然後他們會繼續他們的人生;強力明天會有新的班表、新的音樂製作案,協助我們執行這個整備訓練的倆位強力的小兄弟:冠勳與阿彥,又要焦頭爛額去支援其他他們還無法預見的艱難挑戰;我的九月即將開始第二代樂手訓練,以及北藝大第三屆 IMPACT 學程的新一批學生與學期課堂 …
人生,也就是這樣一段一段的旅程;我只希望,在這些旅程中,我們彼此都從對方身上學習到了一些事物 --- 最後,會陪著我們走下去的,就是這些回憶的點點滴滴。
所以我們會要學著『活在當下』,每一天,都像是在活在自己的舞台上。
不是嗎?
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